LA MATANZA DE TEXAS (1974)

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Capítulo 1. Siglo XVI.

Alexander Sawney Bean nació cerca de Edimburgo, Escocia. Su padre era una especie de obrero y tuvo una infancia normal, después Sawney se dedicó al mismo oficio de su progenitor. Pero Sawney era bastante gandul y no se le daba bien esa faena, bueno, no se le daba bien ninguna. La cosa fue empeorando cuando se lió con una mujer de nombre Agnes Douglas, que tenía una forma de pensar bastante perversa. Ambos decidieron abandonar a sus respectivas familias e irse a vivir a una cueva en plan hippie en la costa Bannane Head, cerca de Galloway.

En ese sitio lo que decidieron era follar como conejos, bueno, como todos sabemos en esas épocas no había televisión, mucho menos internet y sobretodo el whatsapp, y como he comentado antes la parejita alegre no querían trabajar, por lo tanto las horas muertas las tenían que pasar de alguna forma, ¿no? De esas mete-saca sessions llegaron a procrear 8 hijos y 6 hijas, y mediante el incesto llegaron a tener 18 nietos y 14 nietas.

Los Bean subsistieron durante mucho tiempo atacando y asaltando a los viajeros que pasaban por la zona de noche. Las víctimas del clan Bean eran asesinadas y llevadas a la cueva, donde sus cuerpos eran devorados por los miembros de la familia. Los restos eran generalmente arrojados al mar y las olas arrastraban dichas partes humanas, depositándose en playas cercanas para horror de los pobladores que vivían en los aledaños de las mismas.

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Su sistema de ataque y de selección de víctimas era este: algunas veces atacaban de cuatro a seis viajeros al mismo tiempo si iban a pie, pero nunca a más de dos si iban a caballo. Eran tan precavidos que tendían dos emboscadas, una delante de la otra, para evitar que alguno de los atacados pudiera escapar por si se había librado de los primeros asaltantes. A raíz de tantas desapariciones y tanto encuentro de cadáveres, la gente estaba acojonada ante tales hechos, y fueron enviando espías y guardias a aquellos lugares para ver si encontraban alguna respuesta para esas macabras preguntas; la mayoría de ellos no regresaron, y los que lo hicieron, después de llevar a cabo minuciosas investigaciones y pesquisas, no pudieron dar con las causas de aquellos misteriosos sucesos.

La buena racha de los Bean terminó cuando atacaron a un matrimonio; si bien la esposa murió en el combate, el marido consiguió hacerles frente exitosamente con su espada y su pistola, y logró mantenerlos a raya hasta que apareció un grupo de viajantes y los Beans debieron huír. En el transcurso de la lucha la pobre mujer cayó del caballo, e inmediatamente fue asesinada ante los ojos de su marido, ya que las mujeres caníbales que estaban en el grupo de asalto la degollaron y empezaron a chupar su sangre con tanto placer como si fuera vino; después le abrieron el vientre y le sacaron las entrañas. El horrendo espectáculo hizo que el hombre redoblara sus esfuerzos por defenderse, sabedor de que si caía en manos de sus enemigos correría la misma suerte.

Como he comentado antes, la suerte se puso del lado de él, y mientras luchaba desesperadamente se presentaba un grupo de veinte o treinta hombres que iban de paso; ante partida tan numerosa, Sawney Bean y su sanguinario clan decidieron retirarse a su madriguera, cruzando un tupido bosque.

Habiendo sido revelada su existencia al mundo, no pasó mucho tiempo hasta que el propio rey de Escocia, James VI, tomase cartas en el asunto y encabezase una partida de cuatrocientos hombres que logró localizar la cueva del clan Bean.

De ella encontraron piernas, brazos, manos y pies de hombres, mujeres y niños colgaban en ristras, puestos a secar; había muchos miembros en escabeche, y una gran masa de monedas de oro y de plata, relojes, anillos, espadas, vestidos de todas clases y otros muchos objetos que habían pertenecido a las personas asesinadas.

Los 48 miembros de la familia fueron capturados vivos y llevados primero a Edimburgo y luego a Glasgow, donde fueron ejecutados sin juicio. A los hombres se les cortaron las manos, pies y genitales, dejándoles desangrarse hasta la muerte. A las mujeres se las hizo ver el suplicio de los varones y luego se las quemó vivas. Si bien las crónicas no hablan de la edad de los Bean, si uno toma en cuenta que estuvieron “apenas” 25 años escondidos en la cueva, es más que probable que entre los ejecutados haya habido niños. Murieron sin dar la menor señal de arrepentimiento; por el contrario, mientras les quedó un hálito de vida, profirieron las más horribles maldiciones y blasfemias.

En el cercano pueblo de Girvan también hay una leyenda que habla de una mujer, hija mayor de Sawney, que abandonó la cueva y se instaló en aquella localidad, siendo aparentemente una ciudadana muy respetada. No obstante, cuando se descubrió la existencia del clan Bean, los aldeanos se enteraron de que la mujer era parte de la infame familia y la ahorcaron en un árbol que ella misma había plantado. La leyenda afirma que quien se para debajo de aquella planta, conocida como el Árbol Peludo, puede escuchar el sonido del cuerpo de la hija de Sawney Bean balanceándose.

Desdichadamente se desconoce la ubicación del Árbol Peludo, aunque actualmente se están llevando a cabo dos investigaciones para descubrirla y así atraer más turistas a Girvan. Las leyendas urbanas hablan que el clan Bean se habían cargado cerca de 1000 personas.

Capítulo 2. Siglo XX.

Edward Theodore Gein, también llamado el asesino de Plainfield, fue interrogado por la policía de Wisconsin, debido a la desaparición del Bernice Worden, dependienta y dueña de la ferretería; encontraron el cuerpo de la malograda Bernice colgada de los tobillos, decapitada y abierta por el torso. Ed Gein asesinaba a Bernice Worden, disparándole una bala con su viejo rifle de caza del calibre 22. También en esta ocasión se llevó el cadáver en la furgoneta, dejando el suelo del local encharcado de sangre. Pero esta vez habría un testigo, un espectador mudo. El libro de contabilidad de la tienda. En su última anotación figuraba el nombre de Ed Gein, a quién habría vendido su último anticongelante.

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Entre otros macabros hallazgos que la policía encontró en su casa: diez cabezas de mujer a las que les había quitado la parte superior, pantallas de lámparas y asientos hechos de piel humana, platos de sopa hechos con calaveras, más calaveras en los postes de su cama, órganos humanos en el frigorífico, un collar de labios humanos, una caja de zapatos con nueve vaginas, en el interior de su casa de madera 9 máscaras confeccionadas con tiras de piel procedentes de auténticos rostros humanos y con los cráneos colgados; todas conservaban el pelo y muchos más objetos hechos de partes de cuerpos humanos. Todos estos objetos fueron fotografiados y destruidos.

En el interrogatorio, Gein decía que él robaba tumbas de gente que fallecía recientemente y se las llevaba a su casa. Muchos de los cuerpos que robaba eran de gente conocida que el se enteraba de su fallecimiento por el periódico. Se le fue declarado enfermo mental y sólo le probaron dos asesinatos, el de una camarera y obviamente el de la dueña de la ferretería. Mucha gente decía que siempre que iba al bar donde trabajaba la camarera estaba en un fondo solitario y mirándola fijamente.

Mientras Ed Gein se encontraba detenido, su casa ardió hasta los cimientos, seguramente a causa de un incendio provocado. Su furgoneta fue subastada y el comprador hizo negocio con ella llevándola de tour por varias ciudades, y cobrando por ver su interior lleno de sangre y restos humanos.

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La causa principal de la enfermedad mental de Gein fue su madre, fanática religiosa y ser posesivo, ya que no dejaba a Gein relacionarse con gente y le mantenía encerrado en la casa. Su padre también era un pieza, ya que estaba todo el rato borracho. Con ese cuadro se sabía que Ed no iba a salir bien parado. Los psicólogos supusieron que se trataba de un caso de “Complejo de Edipo”, que Gein estaba enamorado de su madre y que a raíz de su muerte se obsesionó en buscar a alguien que la sustituyera, pues se encontró un extraordinario parecido entre sus víctimas y la madre. De niño buscaba el amor de su madre de manera obsesiva, que le era negado una y otra vez, fue así como en su mente se desarrolló una nueva personalidad, un Ed que odiaba a la mujer.

Capítulo 3. La película.

Estos dos episodios que he puesto sirven para documentar y ambientar un poco cuál fue el origen de una de las pelis de terror definitivas de la historia del cine, “La Matanza de Texas”, ya que tanto de las vidas del clan Bean como de la de Ed Gein se ha creado un género, y a su vez unas cuantas películas de dicho género. Además de “La Matanza de Texas”, también salieron “Psicosis” o “Las Colinas Tienen Ojos”, por enumerar algunas. Toda la película se rodó en Austin, pueblo donde nació Tobe Hopper, el director de la peli.

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Tobe Hooper fue profesor de Técnica Cinematográfica en la Universidad de Texas durante los años 60. El casting para la película se organizó entre los profesores y el alumnado de esa misma universidad. Lo curioso fue de dónde provinieron algunos fondos económicos de la película, nada más y nada menos de los beneficios que generó la película “Deep Throat”, lo que podíamos decir el inicio del cine x y una de las primeras pelis porno que se exhibió en salas de cine.

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El personaje que encarnaba a Cara de Cuero/Leatherface, Gunnar Hansen, llevaba alzas para parecer más alto, de ahí que no cupiera por las puertas y tuviera que agacharse. Además, los dientes de Cara de Cuero eran una prótesis que hizo el dentista de Gunnar Hansen. Tobe Hooper permitió a Gunnar desarrollar su personaje libremente. Este segundo decidió que sería un retrasado mental que ni siquiera aprendió a hablar, por ello visitó una institución mental para aprender a moverse y hablar como tal. Nunca se reveló la marca de la sierra eléctrica para no tener problemas legales, además de no motivar a ciertos lunáticos a comprar dicha marca. Se llegaron a hacer 3 máscaras para el personaje.

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Muchas de las heridas de Gunnar fueron reales, debidas a que no podía ver lo suficiente tras la máscara. Eso llegó a crear mucho pánico en el rodaje, ya que mucha gente del mismo podía ser presa de algún accidente, ya que la sierra eléctrica era de verdad. La ropa de Gunnar Hanssen no se lavó en el mes que duró el rodaje para no modificar nada (la llevaba puesta 16 horas diarias).

El personaje del abuelo lo hizo un chico de 18 años, en el que se sometió a un maquillaje de 36 horas (se tuvo que hacer todas las escenas en una sesión, obviamente). Los actores Marilyn Burns (Sally) y Paul A. Partain (Franklin) se llevaban tan mal en la vida real como en la película, lo que supuso una ventaja a la hora de rodar. Para contribuir al resultado final del largometraje, Robert Burns (director artístico) utilizó restos de vacas muertas, acentuando más el tono pseudo-realista/documental del film. Los esqueletos de la casa de Cara de Cuero son reales, la razón es que eran más baratos que los sintéticos.

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Muchos habitantes de Texas fueron aterrorizados con el comienzo de la película, ya que pensaron que se trataba de una película basada en hechos reales. En su estreno mundial, mientras se proyectaba la película, en la sala entraba un hombre disfrazado de Leatherface amenazando a los espectadores con una motosierra, lo que provocó infartos y denuncias. La película se mantuvo durante un año entero en determinados cines norteamericanos. El presupuesto fue de 140.000 dólares, y recaudó 50 millones de dólares en todo el mundo. Después del éxito, una segunda parte infumable y una tercera y cuarta parte que no he que querido perder el tiempo en ellas, además de un remake y una precuela que tampoco he tenido el gusto, o no, de conocerlas.

Saints In Hell

(Publicado originalmente en ROCKSCALEXTRIC durante el tercer lustro de la era 2000)

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MOONTOWER STUDIOS

Hoy rescatamos la entrevista que Mantas le hizo a Javi Félez para Pitchline Zine en su día, en la que, al margen de sus demás labores como músico y redactor / editor de fanzines / magazines, nos hablaba en exclusiva de todo lo relacionado con sus Moontower Studios en Barcelona, una charla ideal para amantes de la música en general y de su grabación en particular. Que ustedes la disfruten.

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Por las paredes de Moontower Studios han pasado bandas de alto peso dentro del panorama español. Primigenium, Teintanblood, Ataraxy, Morbid Flesh, Körgull the Exterminator, Lord Of Bukkake, Warchetype, Graveyard, Wolfhead, Between The Frost o Decapitated Christ, todas ellas atesorando una calidad de sonido altamente especial, fabricado en los estudios que nos atañen, situados en Rubí y que propone todas las facilidades del mundo para que cualquier banda de Metal pase por sus paredes y realice una grabación 100% profesional. Contactamos con Javi, dueño del estudio, el cual muy amablemente nos puso al día, así como nos explicó todo el funcionamiento global de los Moontower Studios.

Buenas Javi, ¿cómo va todo por Barcelona? ¿Cómo ha estado el final del verano en la factoría Moontower?

Buenas tocayo, todo bien por aquí, algo estresado pero bien, que a fin de cuentas es lo que importa. Desde que volví de vacaciones en Agosto no he parado ni un día y hemos grabado 3 maquetillas más lo nuevo de ATARAXY, SURVIVAL IS SUICIDE, MEMEST y OUIJA que lo estamos acabando ahora, ¡y se supone que el verano está para descansar, ha-ha!

Bien Javi, quisiera centrar esta entrevista sobre lo que son los Moontower Studios, estudios de tu propiedad. Según tengo entendido los creaste como tal en el año 2007, cuando seguramente los medios con los que trabajabas eran bastante menores que los que tienes ahora, ¿qué nos puedes contar sobre los inicios de los estudios? ¿Qué te dio por crearlos? ¿Con qué finalidad? ¿Con qué equipamiento contabas?

Yo empecé a montar los estudios a principios del 2007 si mal no recuerdo y durante el primer año estuve haciendo doblajes para películas, locuciones y movidas por el estilo, muchas de las cuales para la anterior empresa donde estuve trabajando los últimos 5 ó 6 años. Eso era lo que me daba el dinero pero claro, a mí lo que me gusta es grabar música pese a que esté mucho peor pagado, así que paralelamente empecé a grabar algunas cosas tanto para otras bandas como para mis proyectos. De las primeras grabaciones no me siento muy orgulloso, la verdad, pero es lo que había: pasar de grabar maquetas en locales de ensayo, garajes, la habitación de mi piso, ¡el lavabo incluso!… a un estudio en condiciones resulta un salto considerable. Los medios con los que contaba en el 2007 no eran muy diferentes a los que tengo ahora. Hice una inversión en equipos considerable y vendí todo el material que tenía en mi haber para comprar equipo mejor, el problema es que dominar esos equipos lleva un tiempo, he he he, dado que al principio son ellos los que te dominan a ti.

Creé los Moontower Studios porque ese era mi sueño desde jovencito. La verdad es que recuerdo que de joven siempre que veía estudios en la Tv o en videos vhs de grupos me quedaba flipado y lo veía como imposible que yo algún día pudiera tener algo así, pero mira, con paciencia, muchas ganas, cientos de horas de esfuerzo y curro y la ayuda de mis padres (sobre todo de mi padre que junto a mí montamos casi todo el estudio ahorrándonos miles de euros), pues aquí paro, como un niño pequeño con zapatos nuevos. Sobre el equipamiento, pues como te digo, no era muy diferente a lo que tengo ahora. Por supuesto que he ido comprando muchas cosas a lo largo de los últimos años, pero lo gordo (ordenador, plataforma de grabación, previos, micros…), viene a ser el mismo (Mac Pro, ProTools TDM, previos Focusrite, UA, SPL, ART, TL Audio, altavoces Genelec, micros AKG, Senheiser, Rode…).

¿Cuándo fue cuando diste el paso adelante para crear los Moontower Studios como unos estudios medianamente profesionales? ¿Te supuso mucho desembolso económico para agrandar más los estudios? ¿Qué tipo de material te hizo avanzar a nivel de calidad?

Pues como te dije, en el 2007. A mí me había quedado un buen pellizco del finiquito con la empresa y mis padres estaban dispuestos a ayudarme con la hipoteca del local (que es de compra). De otro modo, imposible habría sido meterme en este fregao. El desembolso económico fue grande, pero no tanto como podría parecer. El local era perfecto pero el propietario no quería alquilarlo, quería sacárselo de encima como fuera (¡quizá el avispado se veía venir la crisis que todavía no había explotado!), así que nos lo vendió a precio de risa. La inversión en equipos rondó los 30 mil euros mientras que otros 20 y pico mil se los llevó la empresa que sonorizó y acondicionó acústicamente en el estudio. El resto (carpinterías, instalación eléctrica, acabados, muebles, instalación y montaje de equipos, cablear todo el estudio…) nos lo hicimos mi padre (que estaba jubilado ya) y yo en horas y horas y horas y horas… Y miles de horas más.

A nivel de calidad, avancé considerablemente al comprarme un nuevo ProTools que es el software que yo utilizo para grabar. Pasé de un ProTools Digi 002 a un ProTools HD2 que cuesta 8 veces más y tiene casi infinitas posibilidades. Por supuesto, el tener previos de micro de alta calidad ha supuesto un paso clave para que la captación sonora sea, por lo menos, notable, si no excelente.

¿De qué equipación dispone actualmente los Moontower Studios? ¿Nos podrías dar algunos detalles del tipo de material con el que trabajas en ellos?

Claro hombre, ¡aunque a la inmensa mayoría de los lectores les suene a chino! En el estudio tengo mil y un aparatos, pero muchos de ellos no forman parte de la cadena de trabajo principal, que está compuesta por un ordenador Mac Pro Dual Core, un ProTools HD2 con Interface 96I/O (Plataforma de grabación), preamplificadores de micro UA LA-610, Focusrite Isa 428, Spl Goldmike Mark II, TL Audio Ivory, Art Pro Tube 8, ART MPA Gold… Micros básicamente AKG 414 y C1000, Senheiser 421, Shures sm57 a patadas, Rode NT1000, varios Shure más del tipo beta 56, un AKG 112… Y básicamente esto es lo importante junto a los monitores Genelec 1030 y Tannoy Reveal. Luego pues tengo un montón de aparatos complementarios de esta cadena como medidores de pico, compresores y multiefectos externos, mesa de mezclas para mezcla analógica, centro de monitoraje Mackie, módulo de batería Roland TD9 y Alesis dm5, varios Racks Behringer, un POD XT Pro… Buff, yo qué sé tío, un montón de cacharros como te decía. Y por supuesto, pues batería, amplis de bajo y guitarra, varias guitarras y pedales… Es curioso cómo voy comprando cosas para el estudio a menudo pero rara vez vendo y así me va, ¡¡que cada vez hay menos espacio para personas y más para cacharros!!

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Me gustaría que explicaras a los lectores de Pitchline cómo serían los pasos que normalmente seguís para una grabación estándar. ¿Sueles llevar algún tipo de patrón con todas las bandas o cada grupo es un mundo? ¿Soléis registrar cada instrumento por separado o todo en conjunto?

En diversas ocasiones me han planteado la posibilidad de poder grabar todos a la vez, cosa que he desestimado rápidamente. No me malinterpretes, si eres BLACK SABBATH, estamos en el año 1972, tienes una sala de grabación de 100 metros cuadrados y varios meses para grabar, pues adelante, seguramente valdrá la pena. Pero claro, no es éste el caso. En mi lugar, tengo una sala de grabación de 14 metros cuadrados, muy pocos días de grabación y unas infraestructuras que permiten hacer más o menos lo mismo sin tener que estar metidos todos en la misma sala. Es decir, la gracia de grabar todos juntos es que el batería esté en una punta de la sala, el ampli de bajo en la otra y el ampli de guitarra en la otra y todos se agrupen cerca y se oigan por cascos, pero eso yo no lo puedo hacer.

En mi sala de grabación, si pongo un ampli de bajo al lado de la batería, cada vez que el bajista toque una nota de bajo la batería vibra que parece que vaya a explotar. En estos casos, lo que suelo hacer es meter al batería en la sala de grabación y el bajista y el guitarra se sitúan en la sala de control y en vez de amplis tocan y graban por línea. Todos oyen a todos por cascos, pero realmente solo estamos grabando la batería ya que las señales de línea de guitarra y bajo son solo de referencia para que a posteriori, se vuelvan a grabar encima como dios manda. Los pasos a seguir en una grabación son siempre los mismos: primero batería, luego bajo o guitarra (graba primero quién mejor lleve los temas o el instrumento que más importancia tenga), finalmente voz y luego mezcla y mastering.

Tu lista de grabaciones está siendo bastante amplia para el poco tiempo que llevas con los estudios, ¿no te parece? Has grabado a bandas como Primigenium, Morbid Flesh, Decapitated Christ, Ataraxy, Teitanblood, Warchetype, Lords Of Bukkake o mismamente la del material de tu propia banda, Graveyard. ¿De qué material te sientes más orgulloso en cuanto a calidad de finalizado?

Sé que sonará a tópico, pero de todas me siento orgulloso y todas tienen su encanto. De hecho, cada vez que acabo un disco siempre pienso que es lo mejor que hicimos hasta la fecha, así que supongo que eso es sinónimo de que la calidad de las grabaciones va mejorando día a día. Piensa que juzgar a una de esas bandas depende de muchos factores: que te guste el sonido, que te guste la música, que te plazca el modo en el que el disco ha sido recibido por la gente y los medios… A esa lista añadiría a KORGULL THE EXTERMINATOR, MEMEST, OUIJA, WOLFHEAD, SURVIVAL IS SUICIDE o AVGRUNN, cuyas grabaciones recientes me dejaron muy satisfecho también.

Por norma general por tus estudios suelen pasar sobre todo bandas de Metal Extremo, quizá rama en la cual te encuentras más inmiscuido por temas externos al estudio. ¿Has grabado bandas o grupos que están fuera de la parte más extrema del metal? ¿Estás abierto a grabar cosas más tipo Heavy Metal o quizá otros estilos? ¿Suelen contactar bandas de este corte?

Es curioso, porque pese a ser un amante del metal extremo, yo vengo del Hard Rock y el Heavy Metal y es ahí donde más cómodo me siento, pero mira, por unas cosas y por otras, siempre acabo liado con grabaciones extremas, cosa que me gusta obviamente, pero echo en falta grabar a más grupos no tan extremos. He grabado de todo, desde grupos de rock’n’roll hasta grupos de punk, hardcore e incluso Pop. Y por supuesto, hice algunas grabaciones de Hard/Heavy que es donde mejor me lo paso. Piensa que en el Metal extremo las cosas son más difíciles de tocar –por norma general- y de grabar. Es decir, para que quede bien, has de tener a unos musicazos de la ostia, de otro modo, casi siempre queda una grabación que cojea un poco y que tiene fallos.

Sin embargo, en el campo del Rock/Hard/Heavy, me he encontrado a unos musicazos de la ostia, músicos de verdad, no solo peña que toca rápido y brutal. Gente con nociones de armonía y demás que te permite trabajar melodías de voz, coros, armonías, arreglos de voz… Y eso me encanta y claro, difícil lo tengo en el Metal extremo. Pero bueno, que no parezca lo que no es, me encanta grabar a bandas cañeras, de hecho es lo que más hago, pero claro, echo en falta cosas más suaves y más “musicales”.

Y básicamente todas tus grabaciones han sido para bandas nacionales, ¿ha habido o hay posibilidades de que registres a alguna banda foránea? ¿Ha llegado a contactar alguna para ello?

Hace un tiempo contactaron los gabachos BLOODY SIGN y casi cerramos el asunto pero mira, se decantaron por otro sitio. Últimamente he hecho algunos remasterings para bandas de fuera como VOIDD, FATHER BEFOULED y un par más que estoy en ello, pero vamos, es raro. Es decir, una banda alemana o sueca, honestamente, ¿a cuento de qué va a venir a España a grabar si en sus países tienen 4343432 estudios mil veces más potentes que el mío? No tiene sentido. Pero es que yo tampoco lo busco, ese no es mi “mercado”, solo con las bandas que hay aquí en España (o Cataluña), ¡¡tengo faena para siglos!! De todos modos, si alguna vez viene alguna banda de fuera, bienvenida será, por supuesto. Pero déjame dudarlo…

¿Qué importancia le das a la remasterización en el sonido de un disco? ¿La crees tan importante y esencial como la grabación en sí? ¿Cómo sueles trabajar tú en este aspecto?

Supongo que te refieres a la masterización. Remasterizar vendría a ser desmontar el mastering y volverlo a hacer o incluso reforzar un mastering ya hecho que no quedó muy fino. El mastering es la fase final de la grabación de un disco y es mucho más importante de lo que la gente cree. Con el mastering, alcanzas el volumen máximo de una grabación sin que ésta sature y no se pierda la dinámica adecuada. También aplicas compresión y ecualización a toda la grabación en general, es decir, a todas las pistas a la vez, en vez de hacerlo pista por pista (que se hace en la mezcla). Puedes también aplicar excitadores de armónicos, jugar con la amplitud estéreo de la mezcla, reverberar la mezcla general, corregir problemas de fase… No creo que sea más importante que la grabación, simplemente, el mastering es la fase final de la grabación, la última pieza del puzzle. Yo por supuesto masterizo, pero cuando se trata de proyectos de cierta envergadura, prefiero dejarlo en manos de peña que controla más y posee mejores herramientas. Masterizar puede hacerlo prácticamente cualquiera que tenga unas nociones de audio considerables.

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Pero masterizar BIEN sabiendo lo que haces en todo momento ya es otro rollo y se debería dejar en manos de peña con muchísimo oído y muchísimos años de experiencia en el mundo del sonido. Cuando se trata de demos o discos donde el mastering –por lo que sea- no es tan importante (grabaciones donde se requiere un acabado “crudo”), me encargo yo. Pero por poco que se tenga un poco más de presupuesto y se esperen unos resultados guapos guapos, pues tiramos de alguien externo para el mastering.

Varios discos que han sido grabados en los Moontower Studios, caso de por ejemplo el “Faith Through Anguish” de Primigenium o el “The Vanishment and Extermination Of The Deities” de Decapitated Christ, han sido remasterizados en un estudio externo, caso de Necromorbus Studios el primero y Unisound el segundo. ¿Por qué esto? ¿Pensasteis que los citados estudios pueden ofrecer algo que tú en los Moontower no? ¿Fue algo consensuado entre ti y las bandas o cómo fue todo? ¿Tienes buen trato con Dan Swanö y con Tore Stejerna?

Pues por lo que te dije en la pregunta anterior: esa peña sabe cómo darle ese toque final a un disco para que pete de lo lindo. Y también, lógicamente, porque inmiscuir a un personaje de esa talla siempre adquiere un valor promocional para tu disco considerable, para qué te voy a engañar. Por supuesto, sus resultados difícilmente podría alcanzarlos yo, eso es vital. Es decir, si yo tuviera la total certeza de que voy a obtener lo mismo que ellos, sería de tontos pasarle la faena. Por lo general, suelo ser yo quien les ofrece la posibilidad. A veces eso se ha pactado antes de entrar a grabar y otras se ha decidido durante la grabación o incluso al final de ella.

Con Swanö tengo trato desde hace 8 ó 9 años por diferentes motivos y de hecho existe una amistad. Con Tore sin embargo pues nada, trato profesional y poco más, es un tío más seco que Dan. Pero vamos, tú mientras pagues, puedes tener acceso a toda esa gente así que tampoco es nada tan exclusivo. De hecho, si dispones de varios miles de euros, te puedo poner en contacto con el tío que masteriza a METALLICA, eso no es problema, ¡ha ha ha! No olvides que a fin de cuentas estamos trabajando ante todo.

Sueles colaborar muy a menudo incluyendo solos en los discos que registras, como en el caso de los álbumes que citamos en la pregunta anterior. ¿Cómo surge esto? ¿Suele estar hablado antes de entrar a grabar o suele ser decidido mientras se graba? ¿Sueles trabajar mucho los solos?

Casi siempre acabo metiendo algo en todas las grabaciones, ya sea solos de guitarra, teclados, intros, incluso alguna voz… Pero vamos, unas veces me acreditan por ello y otras no, cosa que me trae sin cuidado. Es decir, yo no meto un solo de guitarra para obtener crédito con ello y agrandar mi ego. Si lo hago es porque el grupo me lo pidió y yo creí que el resultado estaba bastante bien. Porque también se ha dado algún caso de yo probar algo y que no quedara bien, entonces fuera, se desecha, no voy a dejarlo ahí por el hecho de que lo hice yo. Casi siempre se improvisa, sobre la marcha. Antes de ayer grabando las guitarras solistas de OUIJA acabé metiendo un punteo por ahí, pero llegamos a ese acuerdo probando cosas, proponiéndole cosas a su guitarra, ofreciéndole la posibilidad de que probáramos meter un tapping en un punteo y mira, les gustó y ahí se quedó. Los solos los trabajamos igual que cualquier otra cosa. Todo depende de las capacidades del músico, del tiempo que dispongas y del equipo que tengas a tu alcance. Hay veces que puedes llevar al músico hasta el límite porque sabes que el tío va sobrado y puede hacerlo perfecto y otras desistes porque sabes que el músico no va a dar más de sí y regrabar un solo 432 veces no nos va a llevar a ninguna parte pues mejor ya no lo hará. Es que depende, es difícil generalizar en estas cosas. Yo soy un adicto a esta música y me involucro al 1000% en cada grabación, no sólo en lo sonoro sino en lo musical, aporto mis ideas, doy mi opinión, propongo arreglos y por supuesto a veces me hacen caso y a veces no, cosa completamente normal.

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¿Qué tipo de referencias tienes en relación a productores y estudios? ¿Sientes alguna predilección por alguno en concreto? ¿Alguien del que hayas cogido ideas o que te agrade sobremanera su forma de trabajar?

Bufff, muchísimos. Yo muchas veces cojo ideas más que de productores en sí, de discos en concreto. Siempre que voy a empezar a grabar un disco de alguien, me empapo los días previos con discos de grupos cuyo sonido vendría a ser parecido al que deseamos obtener. Y no lo hago por copiar nada, sino para sacar ideas que luego yo llevo a cabo y desarrollo. Para mí, Michael Wagener ha sido el jodido crack. Es que miras su curriculum y se te caen los cojones al suelo. Fue el puto rey en los 80’s y todos los discos que grabó son clásicos del Hard/Heavy. La forma que tenía de tratar las baterías era brutal. Luego hay peña como Mutt Lange o Chris Lord Aldge cuyas grabaciones en los 70 y 80 son dignas de estudio. Óyete un disco de AC/DC o QUEEN y verás todo lo que hay ahí. La gente se queda con la cantinela de que AC/DC son 4 acordes y bla bla bla, pero sus grabaciones con Mutt Lange (“Highway to Hell” y “Back in Black” sobre todo) poseen una de las mejores producciones de la historia. Y qué decir de los discos de DEF LEPPARD que grabó… Te gustará más o menos la música, pero escuchar esos discos en detalle es una pasada. No sé, es que es otro mundo tío.

Un disco de Black y Death Metal lo valorarás por su brutalidad, oscuridad, técnica… Pero a no ser que se trate de un disco de una banda tipo DEATH, MORBID ANGEL o bandas de esa envergadura, a nivel de producción, tampoco hay tanto que observar. Sin embargo, te pillas un disco de una super banda de los 70’s o los 80’s y podrías pegarle 90 escuchas quedándote sólo con pijaditas de producción, arreglos, detalles, capas y capas de sonido… Luego, pues hay muchísimos productores cuyos discos me han tenido horas enganchado frente a la minicadena, gente como Chris Tsangarides, Harris Johns, Dieter Dierks, Dan Swano, Tore Stjerna, Toby Wright, Bill Metoyer, Paul O’Neil… Buff tío, es una lista enorme. Piensa que no se trata tanto de los discos en sí sino de cómo estos fueron grabados y cómo suenan.

Cuando te encuentras registrando un álbum, a ti personalmente, ¿cómo te gusta que suene? ¿Entra en muchos casos tu opinión en el sonido definitivo del grupo? ¿Sueles dar tu opinión al respecto sobre el cómo sonar? ¿Suelen los grupos tener en cuenta tus opiniones sobre el sonido y demás, o sueles dejar total libertad al grupo?

Yo siempre aporto mi opinión. Es decir, no voy a intentar ni que ATARAXY (Old School Death Metal) suenen a lo último de BEHEMOTH ni que AVGRUNN (Death Metal más moderno) suene al “Symphonies of Sickness” de CARCASS, no sé si me entiendes. Y yo ese enfoque intento tenerlo claro desde el primer día. Dado que he escuchado y escucho todo tipo de Metal, unos más que otros por supuesto, creo tener claro cómo ha de sonar el grupo. Otra cosa es que acabemos lográndolo, eso ya es más complicado pues yo tengo mis limitaciones. Pero la idea está clara desde el primer día. Es que si esa idea no está clara, es un puto caos. Has de tener claro desde el primer día hacia dónde va a tirar la grabación, si no la cosa se lía. También es cierto que a veces se dan casos en los que 2 miembros quieren ir en una dirección y otros 2 en la otra y ahí se da el conflicto. Sólo puedes dejar total libertad a peña que lleva muchos años tocando y grabando, gente que sabe lo que quiere y sobre todo cómo lo quiere. Si ese no es el caso has de meterte por medio, por muy egocéntrico que suene.

Esto que te comento sería un problema si yo quisiera cambiar el estilo del grupo, cosa que no sucede. Es decir, si tú quieres sonar a los jodidos VON, pues lo haremos sonar. A mí ese grupo no me gusta y creo que suena a culo, pero si tú lo quieres así pues así será, yo no voy a intentar que tu grupo con intenciones de sonar a VON acabe sonando a DIMMU BORGIR, no tiene sentido.

¿A qué banda te gustaría grabar? ¿Cuál o cuáles te gustaría que pasaran por los Moontower Studios y que por tus “manos” pasara su sonido? ¿Has pensado en cómo reaccionarías si en algún momento te llegara la oportunidad de grabar a alguna de tus bandas favoritas? Y ya que estamos, cítanos unas cuentas bandas clásicas a las cuales les darías una vuelta radical a sus grabaciones a nivel de sonido….

Eso es muy difícil de concretar. Ok, a mí me flipa SAXON o MOTÖRHEAD, pero yo no tengo nada que hacer en una grabación de esa envergadura, es decir, creo que me queda un poco grande todo ello. Prefiero llevarme sorpresas como me llevo a menudo de gente que no conocía de nada y que han acabado encantándome tras grabarles una demo, disco, single o lo que sea. Por supuesto, si tuviera un presupuesto ilimitado, el mejor estudio de USA, un par de ingenieros ayudantes al lado y la nevera llena de cerveza, sería brutal meterse en una grabación de MOTÖRHEAD, pero vamos, eso no va a pasar nunca así que es estúpido planteárselo. Ahora que lo pienso, en esas mismas circunstancias (pero sin cerveza en la nevera por lo que pudiera pasar), habría sido brutal trabajar con una banda como SAVATAGE allá por 1990, su disco “Streets” figura en mi top5, tanto en lo musical como en lo sonoro. Pero insisto, todo esto es hablar por hablar… ¿Bandas que necesitan de una vuelta radical de sonido? Pues todas las que modernizaron su sonido en los últimos lustros, todas, sin excepción. No soy muy dado a las producciones de hoy en día y pese a que “comprendo” su razón de ser (teniendo en cuenta los medios existentes hoy en día, los gustos del gran público Metalero y los standards del mercado), prefiero quedarme con cómo sonaban los discos hace 20 años para atrás. Por supuesto, yo me amoldo a lo que haga falta y de hecho muchas veces acabo haciendo grabaciones que a ojos de otros serían algo sintéticas, pero es que eso es lo que hay y es lo que requieren ciertos grupos que aspiran a sonar lo más modernos y brutales posible. A fin de cuentas, todo esto que digo no va a misa, es cuestión de gustos y perspectiva. (HR: Amén).

Siguiendo con el equipamiento del estudio, aparte de material técnico y demás, ¿qué sueles ofrecer a los grupos que registran sus discos en Moontower? ¿Algún tipo de sala de descanso? ¿Alimentación, bebida?

Bueno, el estudio es pequeño y junto a las 2 salas (control y grabación), tengo un par de estancias más para “acomodarse”, nevera, microondas, lavabo, ducha… Pero todo bastante modesto, que ahora la gente no se piense que esto es un hotel de 5 estrellas. La alimentación corre a cuento de cada uno, ¡faltaría más! Me encantaría poder tener una chacha, una cocina enorme y un menú a la carta, pero por ahora no me lo puedo permitir. En su lugar, ofrezco una amplia diversidad de opciones culinarias: telepizza, Gran Palacio Oriental, McDonald’s, restaurante Ancayo de 6.75 euros el menú y un nuevo descubrimiento que es un restaurante de menú llevado por 2 chinitas y un chino que tiene una mala ostia que te cagas que te comes unos platos combinados de puta madre. Lo de la bebida es caso aparte. Inicialmente, solía dar la bienvenida a los grupos con la nevera llena de cerveza pero hace tiempo que no lo hago, básicamente porque a veces el batería de GRAVEYARD se deja caer por el estudio para chafardear un poco y se bebe todo lo que encuentra en la nevera y eso es una ruina tío. Al lado del estudio hay un supermercado con latas a 30 céntimos y dado que yo no bebo mientras trabajo lo dejo en manos del grupo atrincherarse bien o dejar la nevera vacía.

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Aprovechando la ocasión no quisiera perder la oportunidad de preguntarte por la actualidad de tus bandas, que todos conocemos que eres un tipo prolífico como pocos. ¿Cómo va todo en Graveyard? ¿Hay planes de grabación – edición? ¿Lux Divina? ¿Wolfhead y demás?

Con GRAVEYARD va todo viento en popa. Hicimos una sesión de grabación hace poco bastante prolífica que pudo serlo más de no ser porque el Julkarn se agarró una turca enorme por la tarde y acabamos todos en el bar como de costumbre desperdiciando todo el domingo de agonía en el sofá. Esos 3 temas junto a otros 5 que grabaremos este jueves que viene de principios de Octubre supondrán todo el material necesario para completar varios lanzamientos previstos para los próximos meses como un Split 7” con los finlandeses WINTERWOLF (A editar por Doomentia Records), un 10” para Purist Records, y otro Split en cinta de k7 con el sello Unholy Domain Records. Con todo esto ya grabado y esperando que se edite, pues empezaremos a preparar el nuevo disco que a este paso imagino que hasta Abril o Mayo no estará listo. Del mismo modo, ya mismo sale la edición en vinilo del “One with the Dead” así como en breve un bootleg oficial en vinilo a través del sello Psychedelic Lotus Order.

Con LUX DIVINA estamos sacando temas nuevos para el próximo disco y empezaremos a preparar una versión de ENSLAVED para un disco tributo. Con WOLFHEAD, pues nada, estamos a la espera de que salga el disco debut a través de Doomentia Records muy en breve. El disco está grabado, la portada hecha, las fotos, el layout… Sólo falta que Doomentia lo edite en las próximas semanas. No sé la fecha exacta pero será antes del 2011 seguro.

Con OF DARKNESS, a falta de que se edite en vinilo “The Empty Eye”, tenemos ya un tema de 20 minutos casi acabado para un Split que está en el horizonte. Y finalmente, DAWN OV HATE editaremos en las próximas semanas nuestro disco debut, por fin, a través del sello Himnes de Nit, tras años de tontear con un sello polaco que nos hizo perder tiempo y esfuerzo. El segundo disco lo tenemos preparado ya, sólo falta grabarlo. Puedo decirte también que hemos puesto en marcha una nueva banda de Heavy Metal con gente de KORGULL THE EXTERMINATOR, ERED, BALMOG y GRAVEYARD. ¡Tiene nombre, logo y 2 temas compuestos, pero hasta que la cosa no esté más avanzada no diremos nada más!

Bien, y tras toda esta charla para las bandas interesadas, ¿qué tiene que hacer un grupo para ver la posibilidad de grabar en los Moontower Studios? ¿Sueles hacer presupuestos personalizados para según qué tipo de grabación se vaya a realizar? ¿Eres flexible en este aspecto? ¿Cómo trabajas en este sentido? ¿Alguien puede escuchar samples o canciones que hayan sido registradas en tus estudios?

Pues nada, llamarme por teléfono, enviarme un email o contactar conmigo vía MySpace (HR: ahora más bien https://es-es.facebook.com/moontowerstudiosbcn/). Lo del presupuesto depende. Yo tengo unas tarifas fijas por día de grabación y alguna vez hago excepciones, sobre todo si se trata de bandas jóvenes de chavales que quizá no pueden costearse una grabación a precio standard, entonces lo rebajas un poco. También suelo ajustarlo en función de la amistad o de que sea la segunda o tercera vez que grabamos. El presupuesto va en función de la cantidad de días que deseas grabar. Es decir, paso de hacer presupuestos cerrados del tipo “maqueta a 500 euros” / “disco a 1000 euros” porque eso es un follón. Vamos a ver, ¿1000 euros a cuántos días te da derecho, a 4, a 5, a 10, a 15 o a 567? Es que no entiendo a los estudios que se meten en esos fregaos, sólo da problemas porque al no estar acordado cuántos días se utilizarán, siempre acaba habiendo discusiones. Yo prefiero tener claro eso, es decir, ¿has pagado por 7 días? Pues a eso nos amoldamos y con esa fecha en mente trabajamos. Que luego hay que meter más horas o añadir días, pues ok, pero por lo menos desde el principio ya sé a qué atenerme.

Si alguien desea escuchar material aquí grabado, que se pase por el MySpace http://www.myspace.com/moontowerstudiosbarcelona para hacerse a la idea (HR: el link de MySpace ya no está operativo). Los temas están a una calidad no muy buena, pero es lo que MySpace permite. Si alguien desea escucharlos mejor, o bien que me los pida vía email o directamente, que me llame, se pase por el estudio y ahí le enseño cosas, ¡sin problema y sin compromiso!

Javi, pues esto es todo. Espero que te haya parecido interesante esta charla y que al menos se haya salido de lo que por norma general sueles contestar. Si te apetece añadir algo sobre algún tema que no se haya tocado adelante, tienes tu espacio.

Pues nada tocayo, gracias de nuevo por el apoyo desinteresado, lo aprecio de corazón, de verdad. Si alguien desea contactar conmigo que lo haga a través de email moontowerstudios@hotmail.com, página web (https://moontowerstudios.wordpress.com/) o MySpace. ¡Saludos y gracias de nuevo!

Entrevista: Mantas

(Publicado originalmente en Pitchline-Zine en Diciembre de 2010)

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Amon belongs to them…

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Capítulo 1. Out from the asylum.

La Abuela regresa a casa después de mucho tiempo. Lo que no saben Mamá, King y Missy es que en la buhardilla “ellos” la están esperando con los brazos abiertos. Ajena a los acontecimientos que pronto les deparará tal visita, Mamá ordena a King y a Missy que se comporten como buenos chicos con la Abuela. No saben lo que les espera.

King Diamond interpreta en la introducción los diferentes personajes de la historia con sus correspondientes voces. A veces puede parecer cómico, pero en realidad es como aquellas viejas películas de terror que esculpieron el género y sin las cuales es inconcebible. No es coincidencia la similitud entre las casas de “Them” y “Psicosis”. Inspiran miedo con tan sólo evocarlas, bien sea en el celuloide u observando la portada del vinilo a la vez que la aguja se presta a desentrañar el primer tema del álbum.

Capítulo 2. Welcome home.

La Abuela descansará en la buhardilla. Todo lo que hay allí es una vieja silla de ruedas y una tetera. No ha pedido nada más. Ni siquiera una cama donde recostar su anciano cuerpo. King acude a la llegada de su Abuela con alegría y ésta le dice que “ellos” han estado a su lado durante todo el tiempo que ha estado fuera de la casa. “¿Quiénes son ellos?”, se pregunta King.

A ritmo de caballería entra la banda al tajo, con los redobles de Mikkey Dee y el bajo de Hal Patino por delante. King cambia de tono a cada segundo y demuestra por que sus fieles le consideran uno de los mejores cantantes de heavy metal. ¿Alguien dudaba de que no llegara a los tonos más altos? El interludio central es sencillamente alucinante: a unas estrofas gloriosas le sigue uno de esos solos con los que LaRocque te deja embobado.

Capítulo 3. The invisible guests.

A media noche King oye unas risas enfermizas que provienen de la habitación de la Abuela. Con sumo sigilo se acerca a ver que está pasando. A través de la cerradura no da crédito a lo que ven sus ojos. La Abuela habla sola, las tazas de te vuelan por el recinto…hasta que de pronto caen al suelo y la puerta se abre. “Ven, mi pequeño amigo”. La Abuela ha descubierto a King. Lo sienta consigo en la silla de ruedas y le dice que mañana habrá olvidado todo lo que ha visto esa noche, no sin antes anticiparle enigmáticamente: “Te dejaré que conozcas el secreto que encierra esta casa, el secreto de Amón”. Ignorando el revelador episodio, Missy y Mamá seguían durmiendo plácidamente en el piso de abajo. Si hubieran visto a King en la silla de la Abuela…

Las guitarras entran con violencia y marcan la tónica del resto del tema. King está fabuloso intercalando unas palabras prácticamente habladas con registro de anciano junto a unas estrofas agudas y delicadamente tratadas. El grupo suena como una máquina perfectamente engrasada. Los cinco minutos se pasan en un santiamén y la música se desliza por los cinco sentidos con una elegancia fuera de serie.

Capítulo 4. Tea.

Han pasado unos días. Nos encontramos a viernes, la oscura noche cae sobre la casa y King está punto de meterse en la cama. Es entonces cuando la Abuela llama a la puerta de la habitación. ¿Qué intenciones tiene? Ha venido para desvelarle a King el secreto de Amón. Suben a la buhardilla y la situación es realmente estrambótica. Mamá ha sido engañada por la Abuela y descansa sobre la silla de ruedas de ésta sin un atisbo de conciencia que pueda prevenirla. En ese momento la Abuela saca un cuchillo y le hace un corte en la mano a su hija. La sangre que emana de la herida se derrama sobre la tetera. Esa misma sangre es la que va a permitir que los espíritus de la casa queden liberados. Mientras tanto, King contempla la escena sumido en un profundo estado de placidez y escucha las viejas historias que “ellos” relatan riendo a carcajada suelta. ¿Por qué se comporta de ese modo? ¿El té de la Abuela, quizás? Efectivamente, es la hora del té…

Es obligado un pequeño descanso en medio de tan horrible relato. Los fragmentos introductorios y el estribillo son la mejor parada donde relajar el alma, sacudida ya tras las dos primeras piezas del álbum. Como siempre, los cambios de ritmo inesperados que progresan en la zona intermedia nos llevan por los senderos más inhóspitos. Tan inhóspitos como el macabro desarrollo de esta intriga.

Capítulo 5. Mother’s getting weaker.

Mamá está muy enferma. No es capaz de levantarse de la cama, tiene la faz blanca y de su boca no sale una sola palabra. A la vista de lo mal que evoluciona, Missy está preocupada y le pide a King que llame por teléfono a un médico para que la atienda cuanto antes. En lugar de eso, King le espeta un manotazo a su hermana y acto seguido corta la línea del aparato telefónico. Missy rompe a llorar e, impotente ante el incomprensible comportamiento de su hermano, le grita enfurecida un “Te odio” lleno de ira.

Los dos guitarristas se compenetran con unas maneras dispares. Una estructura netamente heavy envuelve un puente de armonías caprichosas. King despliega de nuevo todos sus trucos vocales.

Capítulo 6. Bye, bye Missy.

Medianoche del lunes, hora del té. Otra noche de éxtasis en compañía de “ellos”. De repente, Missy irrumpe en la habitación de la Abuela y contempla horrorizada el panorama. Cuando ve a Mamá yacer inconsciente sobre la silla, comienza a lloriquear y en menos de un segundo se encuentra forcejeando con la Abuela. En el lance rompe la tetera y la sangre que la misma contiene se vierte sobre el suelo de la habitación. Unas voces de ultratumba braman con una fiereza sobrecogedora. Son “ellos”. “Debe morir, ha destruido a Amón”. Quieren acabar con Missy. La pequeña sale corriendo escaleras abajo al oír que pretenden matarla.

La estructura es genuinamente Mercyful Fate. Penumbra y sombras negras sobrecargan una atmósfera tétrica. Sin embargo, los acostumbrados breaks de LaRocque tienden a ser más melodiosos que los de Shermann y el heavy de los ochenta se impone a la influencia Sabbath setentera.

Capítulo 7. A broken spell.

Entretanto, King huye de la casa y, cuando se encuentra a una distancia prudencial, percibe que el poder que “ellos” ejercen sobre él ha disminuido ahora que la tetera está hecha añicos. Los sonidos que llegan de la buhardilla son estruendosos, como si los espíritus estuvieran revolviendo el desván en busca de algo. Lo han encontrado. Es un hacha. De repente, como guiado por una mano invisible, sale disparado en dirección a la cocina…Poco después King observa atónito cómo empieza a salir humo de la chimenea. ¿El alma de su hermana? Cuando entra de nuevo en la casa, todo lo que encuentra de la pequeña es el vestido que llevaba. No hay rastro de ella. El hechizo se ha roto definitivamente. En ese instante King se da cuenta del error que ha cometido dejándose engañar por la Abuela.

Unos pasajes de ensueño cubren con un velo de misterio la narración. Las acústicas que aparecen en determinado momento, como siempre cuando menos te las esperas, rompen más tarde en un dueto de solos de los que explican por que la gente idolatra el estilo ácrata de King Diamond.

Capítulo 8. The accusation chair.

King se dirige de nuevo a la buhardilla, con propósitos muy distintos a los que le movían antes. Su Abuela lo espera para someterlo a una dura interrogación. King, tan frío que es capaz de fingir que se siente bien, da a entender que el hechizo sigue controlando su mente. Pero no es así. Su Abuela, confiada de la fidelidad que aún le profesa su nieto, desea dar un paseo junto a éste a la luz de la luna. King no puede dejar impune la muerte de su hermana y aprovecha la oportunidad para perpetuar su venganza personal. Se ensaña con la Abuela profiriéndole un profundo corte en la garganta que termina con su vida. ¿Y que hay de “ellos”? Lo saben todo e intentan que King pierda la poca cordura que le resta. Aterrorizado, King corre por el bosque sin rumbo.

Lo más destacable es la dualidad de gargantas de King y, una vez más, los juegos a las seis cuerdas de la pareja de hachas. Musicalmente constituye el punto más débil del disco.

Capítulo 9. Them.

La mano derecha del Rey descubre el as que suele guardase en la manga. Si alguien es capaz de concentrar en menos de dos minutos una sensibilidad extrema y provocar erizamientos de piel con un corte instrumental, ese es Andy LaRocque. Magistral.

Capítulo 10. Twilight symphony.

A la mañana siguiente la policía interroga a King sobre lo sucedido y éste, ingenuo, les cuenta toda la verdad. Es evidente que no le van a creer y la culpa de lo acontecido en la casa va a recaer sobre su persona. King no ha logrado deshacerse de “ellos” y a cada minuto se encuentra luchando por mantener intacta su salud mental. El doctor encargado de tratar a King, Landau, desautoriza la versión de su paciente y el diagnóstico que emite lo describe como un enfermo psíquico. Pero King anhela regresar a casa. “Ellos” lo están llamando. Ha llegado la hora del reencuentro.

Nos enfrentamos al tema más redondo del disco. Apenas de comienzo te verás irrevocablemente entregado al canto de esta peculiar sinfonía. Sólo una pega: King podría haber abusado un poquito más del estribillo.

Capítulo 11. Coming home.

Y el encuentro se materializa finalmente. King ha vuelto a casa. Allí le espera ansiosa su Abuela. Tras una regañina por lo que le ha hecho, se disponen a subir a la buhardilla maldita para, en compañía de Missy, degustar otra taza de té.

La despedida no es más que una excusa para allanar el camino a la sublime continuación que sucedería a esta obra. Entretanto, las puertas de la casa se cierran con un estruendo que sobresalta y la aguja indica ahora que la primera parte de la historia ha tocado a su fin.

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Dieciocho años separan ambas historias. Nueve de los cuales ha pasado King internado en un centro psiquiátrico bajo la estrecha vigilancia del Doctor Landau. Los nueve restantes los dedicó a meditar en soledad, retirado en algún lugar desconocido. ¿Qué ocurrió con King al final de “Them”? La policía y Landau tuvieron que sacarlo de la habitación de su madre, donde permanecía inmóvil. ¿Y que pasó con su Abuela, Missy y los espíritus que rondaban la vieja casa? No quedó un solo rastro de ninguno de ellos. Tras todos estos años, King regresa a la casa. Han transcurrido dos semanas desde su llegada…

Capítulo 1. At the graves.

King ansía con fervor la vuelta de Missy. Ahora que la pequeña es uno más de “ellos”, los espíritus de la casa la ayudarán a encontrar el camino desde el otro lado. Y así es. Para regocijo de King, Missy aparece pero no podrá permanecer más allá del amanecer, puesto que en ese caso sucumbiría ante la luz del día. Ese es el precio que debe pagar por ser un alma errante. Esto no supone un inconveniente. King sabe que cada noche, en el cementerio, su hermana pequeña lo estará esperando.

En ocasiones he comentado que aquello de “segundas partes nunca fueron buenas” suele cumplirse, aunque sea en parte. Pues bien, “At the graves”, por si alguien tenía alguna duda, aclara que “Conspiracy” va a ser la excepción que confirme la regla. La obra más ambiciosa de King se inicia con un corte que no puede ser más explícito en cuanto a pretensiones. Nueve minutos, duración excesiva teniendo en cuenta las costumbres del cantante hasta entonces, abrían el vinilo y el resultado era asombroso: desde la música de nana con el que se abre, pasando por la entrada de Mikkey Dee (quien también es responsable de los tambores en este disco, aunque en calidad de mercenario como atestigua su inclusión de secundario en los créditos del disco; Snowy Shaw reemplazó al ahora batería de Motörhead para la gira y los trabajos venideros), la agresividad de la voz en los primeros compases o la advertencia de Anders Allhage y Pete Blakk de que los buenos hábitos precedentes no se habían perdido. Estos últimos se intercambian los solos con una agilidad pasmosa y marcan unos breaks antológicos, quedando clavados en la mente tras las escuchas pertinentes.

Capítulo 2. Sleepless nights.

“Ellos” han vuelto a aparecer en la mente de King cantando y apoderándose de él. Pero sin “ellos” King sabe que no podría ver a Missy cada noche. De ahí que ahora sea un noctámbulo incapaz de dormir. Ante el tormento al que se ve sometido noche sí y noche también, “ellos” le proponen un pacto: King podrá ver a su hermana a medianoche si a cambio les cede de nuevo la casa, después de que el hechizo se rompiera y “ellos” se vieran obligados a abandonarla. King acepta y el secreto de Amón les pertenece a “ellos” una vez más.

El danés filma para este tema uno de los videoclips más impactantes que yo haya visto jamás: imágenes de un film antiguo, la banda tocando en el cementerio donde se desarrolla la trama y la vista en blanco y negro acrecientan aún más si cabe la sobriedad de la canción. Una lección de cómo pasar de un pasaje tremendamente fuerte a otro totalmente acústico sin inmutarse es la mejor descripción que se me ocurre. No hay duda de que “Sleepless nights” supuso el shock comercial más notorio de King Diamond hasta la fecha. Nunca me cansaré de repetir la destreza de Blakk y LaRocque para acometer los solos de un modo tan preciso y elegante. El de esta canción es de libro, no tanto por técnica como por sentimiento implícito, que es de lo que se trata al final.

Capítulo 3. Lies.

King visita la consulta del Doctor Landau cumplido un tiempo desde que comenzara con el tratamiento de seguimiento. Superada la ingenuidad que le llevó a esta situación, le hace creer que se encuentra con facultades plenas. Los hechos reales que vivió en primera persona cuando estaba en la casa no son más que un puñado de mentiras que creó su mente. En realidad, las mentiras son las que le cuenta King al doctor para que no le tome más por un desequilibrado. En su interior aquello sigue muy vivo y él lo sabe como nadie. Como consecuencia del buen comportamiento que muestra King, el doctor decide que puede volver a ver a su madre. Entusiasmado con el encuentro, King prepara la casa a conciencia. Limpia todo y se asegura de que no quede ni un indicio de la tetera ni del hacha para que Mamá se sienta como en casa.

Un riff serpenteante desemboca en un estribillo donde King se desgañita a gusto con una interpretación sublime de la charla que mantiene su propio personaje con el Doctor Landau.

Capítulo 4. A visit from the dead.

King sueña con un jardín precioso. Está acompañado por su hermana. No podría tener un sueño más conciliador… De repente un chillido espeluznante le despierta sobresaltado. Es Missy. Está al pie de la cama y le lanza un mensaje a su hermano mayor: “Ten cuidado, King, algo malo va a ocurrirte”. King, asustado, le pregunta con insistencia que es eso que va a pasarle. Pero Missy tan sólo le responde: “Te enviaré un sueño”.

“Conspiracy” reserva un lugar para un medio tiempo, aquel que le faltaba a su predecesor. Bello comienzo de idílicos pasajes acústicos donde tocar el cielo es la sensación más leve que recorre el interior del que suscribe. Hasta que King dicta que esto no es más que un sueño y nos devuelve a la cruda realidad. El corte se torna heavy, excepto el estribillo, que reserva ese aire melancólico irrepetible.

Capítulo 5. The wedding dream.

El bonito sueño del otro día se trunca con una pesadilla horrible: Mamá está a punto de casarse con el Doctor Landau. King debe impedirlo. Todo se precipita. En cuestión de segundos Mamá yace inerte en el suelo y el doctor ha desaparecido de su campo de visión. King lleva en su mano un hacha…el hacha. Quiere que la pesadilla acabe de una vez pero no puede controlarla. No hay escapatoria. Landau vuelve a aparecer en el sueño. Tiene en su poder la llave de la casa. Lo tenía todo planeado. King se ve a si mismo gritando: “Ayudadme, por favor”. La mañana llega por fin. King se despierta cubierto de sudor. No comprende nada de lo que ha sucedido.

Compases de boda y…la pesadilla del enlace entre la madre de King y el doctor se materializa en el subconsciente del protagonista. King debe impedirlo y es entonces cuando el ritmo se violenta de tal manera que acaba convirtiendo el tema en lo más potente y trepidante que encierra el álbum. Como si de un cuento se tratara, finaliza con la misma cantinela del principio.

Capítulo 6. Amon belongs to “them”.

Ha llegado el gran día. Mamá visita a su hijo mayor y éste la recibe con las mejores galas. Sin embargo, King se niega a que el doctor entre en casa. ¿Qué ocurre?, se pregunta su madre. King le explica a Mamá el pacto que ha firmado con “ellos” para que le dejen en paz de una vez por todas, utilizando a Amón como moneda de cambio. Landau, estupefacto, le dice a Mamá, ahora su prometida (la pesadilla era el sueño que debía recibir de Missy), que dialogue con King para ver si puede arreglar el malentendido. Así, Mamá entra sola en casa para hablar en privado con King. Éste piensa que ahora es el momento de convencer a su madre de la maldad que esconde su querido doctor. Se sincera. Le habla del encuentro que tuvo la noche anterior con Missy y cómo “ellos” siguen entonando sus viejos cánticos. No acaba de pronunciar la última frase cuando King siente una terrible punzada. Cae en la inconsciencia más absoluta.

Las melodías encandilan hasta enloquecer y el estribillo es sencillamente perfecto, enganchando con el ritmo central de la manera más natural. Por algo es mi favorita.

Capítulo 7. Something weird.

Aquí tampoco podía faltar la instrumental de turno a cargo de LaRocque. Esta vez nos trae una pieza barroca y muy clasicista que poco tiene que ver en cuanto a contenido con “Them” pero que posee en común una capacidad para maravillar envidiable.

Capítulo 8. Victimized.

King está tirado en el suelo. Mamá y Landau le han conducido hasta la iglesia. El reverendo Sammael se encuentra con ellos. Ese hombre es peor que el demonio. King está realmente atemorizado por lo que puedan hacer con él. De lo que no hay duda es de que ha sido víctima de una conspiración… El doctor y el reverendo son cómplices. Sammael dictamina que King está poseído por el mismísimo diablo y, por ello, debe actuar en consecuencia para evitar que extienda el mal que porta consigo. Las palabras que pronuncia Landau a Mamá confirman el engaño del que ha sido víctima King: “Pronto la casa será nuestra y King habrá desaparecido para siempre”.

La complejidad del estilo del quinteto se hace todavía más palpable. Los teclados de Roberto Falcao multiplican la sensación de dramatismo que invade el tema.

Capítulo 9. Let it be done.

King es introducido en un ataúd. Mientras, el sacerdote mantiene un crucifijo en alto para contener el alma del diablo, que se encuentra dentro de King. El doctor prende fuego al féretro, deshaciéndose así de King, que ha quedado reducido a cenizas. ¿Qué harán con sus restos? Los depositarán en la tumba que lleva el nombre de su hermana pequeña, Missy. Estaban al tanto de todo…la tumba de Missy está vacía.

El preludio al apéndice es una conversación con trasfondo musical de efectos terroríficos.

Capítulo 10. Cremation.

Unos punteos que anuncian el principio del fin dan paso al segundo corte instrumental, evocador de las llamas en las que arde nuestro protagonista y con unas campanas y un piano de iglesia que suenan escalofriantes. ¿Alguien pensaba que King había dicho la última palabra?

Whenever the dark is near

I’ll return from the grave

to haunt you…Godforsaken whore

J. A. Puerta

(Publicado originalmente en THE SENTINEL WEB MAG durante el primer lustro de la era 2000)

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The Cult of Mercy: a realistic re-view of a dream

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THE SISTERS OF MERCY: Sin compasión – Sábado 8 de abril de 2006, sala Razzmatazz (Barcelona)

Son varias las acepciones que se pueden extrapolar del verbo engañar a lo que fue la actuación de los Sisters en la catalana sala Razzmatazz, véase mentir, trampear, abusar de, timar y similares, pero hay una de ellas que desde luego no tuvo lugar, al menos en nuestro caso, y esa es defraudar. Y decimos esto porque si bien la esperanza es lo último que se pierde, o al menos eso dicen por ahí, nuestra fe en el directo de las monjitas más bien brillaba por su ausencia, valga la redundancia, y es que también es muy buen dicho el de cuando el río suena…

Refranes y florituras aparte, lo que también estaba claro era que había que testear tal hecho por uno mismo, el del directo nefasto digo, y no vivir con la eterna duda de si nos estaríamos perdiendo algo. Y bien, realizado el test de manera totalmente empírica y en cierta medida etílica, lo cual nos da todavía más la razón –se supone que la euforia alcohólica ayuda, ¿no?-, podemos afirmar sin tapujos y de manera rotunda que The Sisters of Mercy en vivo y en directo son una-putamierda. Con perdón de la expresión, eso sí.

De todos es sabido que nuestro querido Doktor Avalanche, batería del grupo, no es otra cosa que eso mismo, una máquina –aquí sí colaría la eterna confusión con el término baterista-, hecho que queda corroborado de forma fehaciente al aparecer el grupo en el escenario, aunque el desmesurado empeño por ahumar el mismo de veras dificulta tal comprobación. Pero si a ello le empezamos a sumar la aportación de dos guitarristas tan faltos de gracia en las tablas como de carisma, la ausencia de un bajista que dote de cuerpo al conjunto, y lo que es peor, un lamentable estado vocal de mr. Andrew Eldritch de la mano de un sonido sobrecargado y megasampleado, el resultado se me antoja de mírame y no me toques, o mejor dicho, de mírame y no me escuches.

Y es que de nada sirve que suenen «Alice», «Ribbons», «Dominion/Mother Russia», «First And Last And Always» o el mítico «Temple Of Love», que me los descubriera allá por los tiempos del bachiller, si hay que esperar hasta el estribillo para saber de qué demonios se trata. Se puede ser arrogante e ir de sobrao, en algunos casos hasta se debe, pero siempre con algo detrás que apoye, que si no se nos derrumba el chiringuito. En ese sentido el tiempo ha dado la razón a Wayne Hussey y sus The Mission, que pese a no mantener ese ‘aura’ de culto de la banda que le vio marchar, siguen ofreciendo conciertos más que dignos y al menos dan sensación de grupo, cosa que huelga en todos los aspectos en estas hermanas graciosas.

A la postre, por medio de traductora y cigarro en mano, Eldritch aseguraba al personal volver de gratis a la ciudad condal para remediar tanto mal, imagino que por el abucheo generalizado y enfervorecido del personal. A nosotros nos la vas a dar.

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Discografía:

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«First And Last And Always» (1985)

El clásico por antonomasia, de aquí ha bebido hasta el que no tiene boca. Los himnos se suceden uno detrás de otro («Black Planet», «Walk Away», «No Time To Cry» y así sucesivamente), y la producción, lejos de ser ni tan siquiera correcta, ha llegado a ser parte de su atractivo. A todo esto, cómo se nota la mano de Wayne Hussey. A partir de aquí ya nada sería igual.

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«Floodland» (1987)

Más oscuro que oscuro, como diría alguno. La portada ya avisa, y al pulsar play te das cuenta de que el contenido se corresponde fielmente con el continente. Se mejora la producción con respecto al primero, se introduce colaboración femenina en los coros, y nos vuelven a dejar otros cuantos clásicos para la posteridad («Dominion/Mother Russia», «Lucretia», «This Corrosion», «Colours»). Buen interludio.

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«Vision Thing» (1990)

El álbum pop-rockero, y a la postre el definitivo, eso es a lo que yo llamo lucidez escueta. Por primera y última vez dan la sensación de banda, y de igual forma gozan de una producción en condiciones. Desde el arranque frenético de «Vision Thing» hasta la calidez de «I Was Wrong» no hay desperdicio que valga, así que los ocho cortes de los que goza el plástico de un tirón. Algunos nos pasamos media década de los 90 tirando de él.

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«Some Girls Wander By Mistake» (1992)

Antes de «First…» también hubo vida, y se refleja en este recopilatorio de singles y caras b, que comprende el período 1980-83. ¿Necesario? Por supuesto, ahí están cortes como «Alice», los covers de Stooges y Stones «1969» y «Gimme Shelter» respectivamente, o la versión extendida del clásico «Temple Of Love», amén de otro puñado de cortes indies que hay que tener.

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«A Slight Case Of Overbombing» (1993)

‘Greatest Hits’ válido tanto para no iniciados como para completistas, ya que en él se registran por un lado los temas más representativos del grupo, y por otro algo nuevo («Under The Gun»), algo viejo («Body And Soul») y algo rehecho («Temple Of Love (1992)»). Fue bonito mientras duró.

Y esto es básicamente lo que abarca la carrera discográfica del grupo que tomó prestado el nombre de una pieza de Leonard Cohen (bueno, en realidad fue algo más). Puede que sus directos sean de lo peor que te puedas encontrar encima de un escenario, pero sus trabajos siguen siendo a día de hoy gloria bendita y fiel espejo de generaciones pasadas, presentes y futuras. Al césar lo que es del césar.

Bubba

THE CULT + DIAMOND DOGS – Sábado 3 de junio de 2006, Estadio Foietes (Benidorm)

Sin apenas tiempo para recuperarnos del concierto de King Diamond en Madrid de hacía unos días (más bien horas), regresábamos a casa para presenciar un plato fuerte, como si hablar de Benidorm fuese sinónimo de rock de unos años hacia acá. Nada más lejos de la realidad en términos cotidianos, más teniendo en cuenta que la nula previsión de asistencia y ampliación de gira de los británicos llevaron a quien quiera que fuese el irresponsable a repartir a última hora y gratuitamente entradas entre los comercios locales para tratar de paliar la pobre venta de entradas. En fin, aparcando asuntos intervencionistas de lavado de cara y centrándonos en el concierto en sí, la noche nos deparó unas cuantas contradicciones curiosas.

En primer lugar, el set list, sin diferencias notables (aunque levemente recortado) respecto del que vienen interpretando en este tour, del que llama la atención el protagonismo de «Love» y «Electric», antagónicos en sonido y estilo, el pre y el post respectivamente. Evidentemente, las controversias de antaño están más que enterradas dos décadas después (a día de hoy el currículum de la banda acalla lo que se ponga por delante) y todos por igual convirtieron cada uno de los himnos que cayeron aquella noche en una celebración.

thecult4Por otro lado, las figuras principales y la lucha de egos que mantuvieron encima de las tablas. Duffy ganó la partida con diferencia. De pose eterna, pletórico y liderando en primer plano cuando tuvo oportunidad por delante de su compañero de fatigas, retuvo toda la presencia escénica y él fue el alma de The Cult. Astbury continua siendo el mismo tipo hiperactivo que menea el micrófono a placer, baila y es capaz de convertir algo ordinario como escupir al aire en todo un acto de clase rockera. Sin embargo, más de uno nos quedamos de piedra cuando lo vimos aparecer ataviado con una sudadera de deporte violeta, la mano vendada y un pañuelo en la cabeza, lo que unido a ese aspecto desaliñado que lucía (barbudo y barrigudo), obligaba a preguntarse: ¿dónde estaba el Astbury espejo del hard rock más sobrio y elegante de los ochenta, o el más reciente, comedido retrato de Jim Morrison? La cuestión de indumentaria hubiese quedado en una simple anécdota si al menos hubiese cumplido con el apartado vocal, pero a veces (el noventa por ciento) era un quiero y no puedo y otras un puedo y no quiero (en «The phoenix» resurgió de sus propias cenizas, nunca mejor dicho).

De los secundarios Tempesta se llevó la palma, aunque a todas luces estaba fuera de lugar. El espectáculo que nos brindó, a base de jugar a destrozar su kit a mamporrazos, suponía un mero pasatiempo para el ex – White Zombie, y triste fue el tener que aguantar el dichoso comentario de turno acerca del paradero de Matt Sorum (si supiera el pobre que repentinamente le han cambiado el nombre por el de «ese que estuvo en Guns’n’Roses»).

Hasta las anécdotas, tan espontáneas a simple vista que nadie lo hubiese percibido, ya estaban pensadas de antemano. Así, el número del balón de fútbol firmado y pateado por Billy Duffy, con el consiguiente cachondeo de Ian Astbury, que presentó al guitarrista en plan speaker (‘Ladies and gentlemen, Mr. David Beckham!’’), lo vienen repitiendo de show en show.

Para el final se quedan los primeros, por contradictorio que parezca de nuevo, ya que el concierto de Diamond Dogs, supuestos teloneros, fue de absolutos cabezas de cartel por tiempo, tablas y ritmo. De menos a más, los escandinavos se mostraron exquisitos y consecuentes, con Sulo mandando como el mejor Chris Robinson y sorprendiéndonos a los que íbamos puestos con lo mínimo («Black river road»).

THE CULT – Domingo 27 de septiembre de 2009, Tinglado 2, Valencia

The Cult borraron el escepticismo con el que afrontaba un servidor el concierto y el tour en sí, porque ni la idea de resucitar un trabajo de 1985 como excusa para girar me parecía coherente (tanto aniversario, reedición, celebración u homenaje de tal o cual disco empieza a cansar y aburrir soberanamente) ni el estado en el que se presentaría nuestro querido Astbury era fiable visto lo visto en su anterior visita. Sin embargo, resultó una experiencia no sólo gratificante, sino intensa como pocas. El cantante, casi irreconocible por ese look de hell angel (barba espesa y bastantes kilos de más), desenchufó voluntariamente su modo entertainer y se entregó de lleno a los temas ojos cerrados y aferrado al micrófono (sobre todo en el primer tramo), desprendiendo un feeling que valió por todo gesto, pose y demás parafernalia que gastara en 2006 tratando de ocultar sus deficiencias. Aunque ya nadie espera que cante un solo verso sin entrecortar las palabras, cumplió. El bajista Chris Wyse se mostró muy participativo y compensó con su energía el misticismo estático de Astbury.  Poco que decir de un Duffy que es la viva imagen del rock y que encima del escenario parece haber firmado un pacto con el diablo. Como si no pasara el tiempo, vaya.

Volviendo al concierto, hoy en día “Love” es la mejor apuesta que pueden realizar en directo si se trata de experimentos de estas características (“Electric” sigue formando parte del repertorio en un alto porcentaje y tanto “Sonic temple” como “Beyond good and evil” son demasiado exigentes vocalmente hablando para un Ian obligado a dosificar esfuerzos). Ayudados en su interpretación por un telón de fondo sobre el que se proyectaban imágenes variopintas, canciones como “Revolution” o “Black angel” alcanzaron un clímax irreproducible en estudio y por ende en nuestro cómodo equipo de música en casa. “Rain” y “She sells sanctuary” son reclamo fácil per se al tratarse de las representantes naturales del álbum en cuestión y la respuesta que provocaron fue inmediata. Uno de los highlights de la noche. Más especiales resultaron “Big neon glittler” y “Hollow man” como delicatessen para paladares gustosos de su época gótica (aunque ya puestos podían haber incluido “Little face”, pero los bonus no contaban).

Clausurada la primera parte y consumados los minutos de descanso necesarios, atacaron un best of reducido por las circunstancias donde el trío acedeciano “Electric ocean” / “Wild flower” / “Love removal machine” ganó por goleada. Ni “Sun king” ni “Fire woman” estuvieron al nivel de intensidad del resto, pese a lo fieles que sonaron a sus respectivas originales, y quizá supusieron el único punto flojo del show. El momento de lucimiento de la base rítmica Wyse/Tempesta se produjo con “Dirty little rockstar”, única pieza de “Born into this” en el repertorio. Brutal fue “Rise”, temazo que clavaron aunque apenas coreada. O la gente se estaba tomando un respiro o había mucho nostálgico retirado sin idea de lo engendrado por los británicos en diez años. Una pena en todo caso.

La conexión público-grupo fue absoluta hasta el extremo de que, ante la insistencia para que regresaran a las tablas, salieron por segunda vez saltándose el planning y regalándonos un “Lil’ devil” grandioso.

Al final todos contentos y con sensación de haber vengado el sabor agridulce que dejaron hace tres años.

J. A. Puerta

Discografía:

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«Dreamtime» (1984)

Obviando lo que fue el embrión de The Cult, Death Cult, lo que es innegable es que, o bien el feto ya tenía los rasgos muy marcados, o el recién nacido estaba aún por definir. De una manera o de otra, «Dreamtime», aun en tierra de nadie (bueno sí, la de los góticos), se presenta al gran público con un sonido un tanto frágil (a conciencia, por supuesto) y con una colección de canciones indestructibles. Pese a que para algunos parezca nunca haber existido, empezando por el propio grupo, para servidor ahora está más vigente que nunca. Embriagador.

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«Love» (1985)

Entre dos tierras, como dirían algunos, ni rock gótico ni hard rock, «Love» vuelve a pegar una buena zancada hacia delante, más acusada incluso que su debut con respecto al pasado. Además de una producción más sólida, el nuevo plástico goza de mayor variedad y colorido, y desde luego vaticina lo que será el futuro. Comienzan los temas antológicos («Rain», «She Sells Sanctuary»), a la vez que empiezan a acudir fans de todas partes y a fraguarse la leyenda. Perdón, el culto.

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«Electric» (1987)

Jamás podremos saber lo que hubiera sucedido de haberse editado con la producción inicial, pero lo que sí es obvio es que, gracias a la zarpa de Rick Rubin -que en un principio sólo iba a arreglar un poco aquí y allá-, el paso esta vez se convirtió en salto, situándolos de lleno en el mainstream del rock duro. Se reduce en matices, sensibilidad y colorido, y se gana en fuerza, distorsión y potencia. Así es, The Cult ya tenía su propio «Back In Black». Por cierto, el cover de «Born To Be Wild» bastante flojo, mejor el de «Start Me Up».

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«Sonic Temple» (1989)

El éxito ya está conseguido, ahora sólo hay que mantenerse. Y vaya si se mantienen, puñetazo en la mesa incluido. Como estrellas que son se permiten el lujo de invitar a otros astros (Iggy Pop, Eric Singer), hablar de algún que otro estrellado (Edie Sedgwick, musa de Warhol que murió a los 28 de un atracón de barbitúricos), de elegir productor a su antojo (ahora toca Bob Rock, con la posterior envidia de Metallica), y de parir de nuevo otro montón de clásicos («Sun King», «Fire Woman», «American Horse», «Sweet Soul Sister» y así sucesivamente). Disco obligado en cualquier colección que se precie.

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«Ceremony» (1991)

Todo lo que sube baja (que se lo digan a Pelé), pero al menos algunos lo llevan con gusto. «Ceremony» no es un mal trabajo, ni mucho menos, pero ni tiene la frescura de los dos primeros ni la contundencia y la precisión de los dos últimos, así que con eso y un bizcocho (yo me lo guiso, yo me lo como) se marcan un buen disco a secas. En fin, se permite pinchar repetidas veces «Wild Hearted Son» para compensar.

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«The Cult» (1994)

Editado en plena efervescencia grunge, crossover, new metal y demás subestilos, era de esperar que un disco de Rock a secas pasara desapercibido, como efectivamente hizo. Craso error, porque «The Cult» supera con creces lo ofrecido en «Ceremony», y contiene verdaderas gemas escondidas («Real Girl», «Sacred Life», «Saints Are Down»), aparte de las más obvias («Joy», «Star»). Los Zeppelin más acústicos y los Doors más ácidos se vuelven a dar cita en un disco tan sobrio y maduro como infravalorado, menos mal que siempre se está a tiempo de echar mano.

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«Beyond Good And Evil» (2001)

Descomunal. De nuevo con Bob Rock a los controles, Astbury, Duffy y Sorum vuelven por sus fueros, pero esta vez con más mala hostia que nunca. Si bien «Nico» y «True Believers» ponen el punto tranquilo al plástico, el resto apabulla por su cohesión, inmediatez y brutalidad, una recámara de balas descargadas de una en una. Si todavía no has tenido el placer de volarte la cabeza con semejante arsenal no sé a que leches estás esperando. Más allá del bien y del mal… está lo cojonudo.

Dejamos de lado tanto «Pure Cult – For Rockers, Ravers, Lovers and Sinners» (1993) y su reedición posterior («Pure Cult», 2000) como «Rare Cult» (2000), box-set de rarezas con representación abreviada («Best of Rare Cult»), ideales tanto para no iniciados (lo primero) como para ansiosos del grupo (lo segundo). No obstante, y evitando en lo posible ser subjetivo, nada como engullir uno detrás de otro los discos originales. Como diría el mismísimo Tony Soprano, bocatto di cardinale.

Bubba

(Publicado originalmente en el fanzine número 1 de ROCKSCALEXTRIC, diciembre 2006)

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A dangerous meeting…

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Mercyful Fate – Melissa (1983)

Olvidaos de Anton LaVey, Aleister Crowley y demás sujetos. La verdadera Biblia Satánica fue rubricada por King Diamond en 1983, con música cortesía de Hank Shermann, que circunstancialmente salió al mercado discográfico bajo el nombre de «Melissa» y venía firmada por unos tales Mercyful Fate. No sabían los padres lo que sus criaturas traían entre manos al permitir que se hicieran con una copia del vinilo en la tienda de costumbre con la paga correspondiente… Un compendio supremo de maldad condensado en poco menos de cuarenta minutos. Nada de estúpidas tesis basadas en el hedonismo, la superioridad moral y el alimento descontrolado del ego, aquí sólo hay espacio para historias de muertos vivientes necrófagos («Evil»), maldiciones milenarias («Curse of the pharaohs»), rituales blasfemos oficiados por oscuras sacerdotisas («Into the coven»), invocaciones al Maligno («At the sound of the demon bell» y «Satan’s fall»), misas negras con sacrificios humanos («Black funeral») y brujas condenadas a la hoguera («Melissa»).

Decenas de anécdotas rodean la grabación del álbum, cada cual más chocante y absurda si cabe: desde la instalación de un altar y unas luces rojas para ambientar el estudio (cosas de King Diamond, evidentemente, ya que paradójicamente a ninguno de sus compañeros le importaba lo más mínimo este tinglado tenebroso por el que eran conocidos) hasta la negativa inicial del productor, Henrik Lund, a trabajar con el grupo, escandalizado por las letras de las canciones. Tampoco se queda atrás el episodio de los espectros que cohabitaban entonces en el apartamento de King, haciendo acto de presencia en mitad de cualquier visita (James Hetfield y Lars Ulrich incluidos). El cantante afirma que este tipo de hechos paranormales, como la levitación de botellas de cerveza, se producía siempre en estado de absoluta sobriedad (qué no verían del otro modo). Incluso estuvieron a punto de colar en el tracklist una versión de «Inmigrant song» que venían ensayando (¿alguien puede imaginarse cómo hubiese sonado aquello?).

Las pistas que aparecen como bonus ya habían sido publicadas anteriormente en «The beginning» y «Return of the vampire»: la sesión del Friday Rock Show de la BBC, la demo de «Black funeral» y la cara b de ésta al editarse como single, «Black masses», pertenecientes al primero y la demo de «Curse of the pharaohs» al segundo. En cualquier caso, representa material interesante para quien no tuviera aquellos y desee conocer las versiones pre-estudio y la fuerza que desprendía la formación en vivo.

Y ya que hablamos de su directo, el DVD extra recoge un pequeño fragmento del ofrecido en el club The Dynamo de Eindhoven ‘en algún momento de la primavera de 1983’ (ni el propio King es capaz de ponerle fecha, aunque no anda desencaminado porque es del nueve de abril). Los responsables de la compañía no han debido indagar más de lo necesario porque este mismo show está disponible íntegramente en la red con una calidad superior a este oficial. No obstante, igualmente se puede apreciar esa crudeza característica de estos primitivos e inigualables Mercyful Fate, tanto en lo musical como en lo escénico/estético. Sin duda, lo impagable del documento es la opción de visionado comentada por el propio King, totalmente improvisada (a ratos se queda callado y otras veces repite cosas que había dicho poco antes) y donde se despacha a gusto con los fallos en la ejecución (le hace daño oír cómo la banda se pierde en uno de los cambios de ritmo de «Black funeral») y la parafernalia de sus seguidores (cuando ve cómo un fan de las primeras filas levanta un hueso imitando el que porta el cantante en escena, afirma orgulloso que ‘el suyo es de verdad’).

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King Diamond – Abigail (1986)

Si «Melissa» es el vademécum del mal, «Abigail» es la historia de terror por excelencia del heavy metal. Historia que no es raro oír repetida en boca de otros que en su día también esperaban a la noche, colocaban la aguja sobre «Funeral», apagaban la luz de su habitación, se tumbaban en la cama y asistían paralizados a la ceremonia regida por O’Brian para matar definitivamente a Abigail, la cual desembocaba en «Arrival», uno de los mejores arranques jamás concebidos, y sin respiro continuaban allí, con los ojos bien abiertos en medio de la penumbra, horrorizados a la par que hechizados por la abrupta aparición del Conde de La Fey, el embarazo de una Miriam ya poseída y el desenlace con la muerte de Jonathan y la aparición de los Jinetes Negros en un final apoteósico. Bueno, en realidad había que levantarse a cambiar la cara del disco una vez finalizaba «The 7th day of July 1777» y uno debía recurrir a la imaginación, más ávida en aquellos días, cuando la barrera, más infranqueable, del idioma no le permitía averiguar ciertos pormenores. En todo caso, funcionaba de maravilla.

Para su andadura en solitario, King Diamond tuvo en Andy LaRocque a su mano derecha y alter ego de Hank Shermann. Sin embargo, en «Abigail» las tareas compositivas recayeron en un alto porcentaje sobre King, que por supuesto firmó los textos. Lo cierto es que impacta la capacidad del danés para, en apenas tres años, darle un vuelco tan radical a su estilo. Ahora los falsetes y los reverbs inundaban las estrofas, secundados por algunas voces guturales según lo requiriese la interpretación, los solos de LaRocque y Denner se alternaban continuamente, el esquema clásico sobre el que se construían los temas se rompía en favor de una estructura adaptada al desarrollo de la acción narrativa, dando lugar a innumerables cambios de ritmo y riffs (más sofisticados y coetáneos que los de Mercyful Fate), y la contundencia de Mikkey Dee aportaba un plus de potencia.

Si bien los extras de audio son más bien escasos (el único que merece la pena es «Shrine», cara b de «The family ghost», ya que las tres remezclas son mero relleno), no puede decirse lo mismo de los de video. Incluye los clips de «The family ghost», «Welcome home» y «Sleepless nights», que ponen de relieve la prosperidad que vivió la banda a raíz del éxito de «Abigail». Y por si fuera poco, registra siete temas del concierto grabado en Gotemburgo (Suecia) durante la gira de presentación del álbum. Al interés intrínseco del material, se une el llamativo protagonismo de Michael Moon, el guitarrista reemplazo de Michael Denner, que abandonó la formación antes de dar comienzo el tour. Echando mano del manual de poses del guitar hero de los ochenta, eclipsa por instantes al mismísimo LaRoque y busca sin cesar la complicidad con su jefe. Poco sabía entonces de lo efímera que sería su estancia, que siquiera alcanzó la grabación de «Them».

J. A. Puerta

(Publicado originalmente en el fanzine número 1 de ROCKSCALEXTRIC, diciembre 2006)

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ENTREVISTA A JOAN LONER (LOU)

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Había ganas de interrogar al hombre entre bastidores, al eterno observador de Beniyork y testigo directo de todo lo acontecido en esta zona levantina tocante al Rock prácticamente desde sus inicios. Vamos sin más dilación con la entrevista…

 HR: Cuéntanos un poco para comenzar quién es Lou, a qué dedica su tiempo y cómo y cuándo llega a este mundo del Rock y sus derivados…

¿Quién soy? Un insecto entre la multitud.

¿A qué dedico mi tiempo? A agonizar.

El rock me penetró al ver por casualidad un programa de la televisión alemana, “Beat Club”, que en nuestro país pasaba la única que había por entonces, allá por 1974 ó 1975, poniendo la voz en off el Ramón Trecet (joder, parecía el Jiménez del Oso). En aquel programa “algo” me deslumbró y un extraño espíritu se introdujo en mí, con una actuación de Marc Bolan.

Los 70’s, una buena época para ser adolescente, en mi caso además gozándola en Benidorm y sus casi 4 meses de vacaciones, desbarrando con la pandilla de verano a ritmo de puro glam, horteras, macarras y lluvía de pús por el puto acné (la pomada Clerasil era una puta mierda), o aquellas sesiones con la pandilla ya de invierno triturando vinilo en casa de un colega y pasándonos ansiosamente los auriculares para escuchar el Made in Japan de los Deep Purple o el primero de los Bad CO, entre otros muchos; por entonces lo podías escuchar casi todo, no como ahora que la música y las bandas han aumentado hasta el infinito.

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Heavys y sinfónicos, drogas de calidad y baratas –la portada del primer LP de los Veneno era realmente eso ¡y por un talego!-, la llegada del Travolta y el punk enkulando…

La pandilla del invierno eramos 4 chavales y esperábamos el fin de semana para irnos con un par de discos debajo del brazo para alguna discoteca y suplicar al dj que nos pusiera el Voodoo Chile del Hendrix o el Highway Star de los Purple… y cuando le lográbamos convencer y comenzaba la canción la peña abandonaba la pista –hasta ese momento llena- y nosotros 4 salíamos a ella e invisiblemente enchufábamos nuestros hipotéticos instrumentos a las columnas de la pista que hacían de no menos camuflados amplis (sí, chaval, como el Quijote y los molinos de viento, pa’partirse la polla) y dábamos lo mejor de nosotros con aquel endiablado poderío sónico… Terminaba la canción, recuperábamos los discos, la pista de baile se volvía a llenar y nosotros nos íbamos al parque a fumarnos unos mais y a celebrar nuestro éxito.

Y jugando, jugando, aquello derivó en pillar un local de ensayo y junto a otros dos colegas de Benidorm con bastante más experiencia musical, montarse una banda donde el menda lerenda iba a ser en un principio el bajista pero que por cobardía lo cambió por una puta máquina de escribir. Aquella banda se llamó Akra Leuka y precisamente en su debut –diciembre de 1976 en la discoteca Tito´s de Benidorm- debuté en vivo y en directo como “cronista de suzesos musikales” haciéndoles un amago de entrevista para un periódico local, que me hizo envalentonarme (bueno, ayudado por mis asiduos chutes de vinilo que me daba, especialmente con el “Rock and Roll Animal” de Lou Reed y el “After golden rush” de Neil Young) y escribir más adelante un par de croniquillas que me publicaron en el Disco Express hablando de las actuaciones que habían dado en la ciudad Triana y Ramoncín & WC y un festival rock en la plaza de toros.

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Y ahí quedó la cosa, dándome chutes y chutes de vinilo, acudiendo a todos los conciertos que podía, hasta trasladarme a Alicante para pisar la Universidad e intentar ser una persona de provecho.

Sería en el otoño de 1977 cuando entré en un Colegio Mayor donde coincidí con ¡el Gillan!, mi amigo del alma de Benidorm y cantante de Akra Leuka. Allí nos bautizamos, compartíamos pasillo y además puerta con puerta: Al llegar a nuestro destino nos miramos y no sé quien de los dos lo dijo: “!qué, hacemos saber que hemos llegado!”. Cogimos un aparato de esos de letraset –o como cojones se llamase- con los que podías hacer cartelitos y cuando íbamos a decidir qué nombre pegar en nuestras respectivas puertas, no lo dudamos, el Gillan por el cantante de los Deep Purple (vaya versión se hacía con los Akra Leuka del “Child in time”), y yo Lou, por el gran chapero de Manhattan.

Pasaron unos meses, creo que ya era por primavera, y por fin me había mentalizado que tenía que ponerme ya de una puta vez a ser universitario y… estudiar. Me preparé la típica mesa gigante de madera, coloqué bien el flexo con luz azul, los bolígrafos, abrí el primer libro de derecho civil y justo cuando me voy a meter en faena, se abre de golpe la puerta de mi habitación y entra el Gillan casi gritando y a toda hostia: ¡¿te vienes?! Hay un festival de rock en la cárcel de José Antonio!!!

Y ahí, creo, que el destino me empujó a coger el camino que me tenía preparado. Tras unos segundos pensándomelo, me levanté como un resorte, apagué el flexo y me fui con el Gillan calles abajo…

Podría decirse –bueno, así al menos lo escribí en un artículo meses después en una crónica sobre Mediterráneo, que acababa de sacar el LP “Tabarca”, y que salió publicada en el periódico Información de Alicante, donde ya me habían “fichado” (imagino que no habían encontrado a nadie mejor ni tan barato)- que aquella noche marcó otra fecha fundamental en la historia del rock alicantino.

En el patio de la cárcel de José Antonio Primo de Rivera habían montado un escenario con dos baterías y diversas bandas de la ciudad; prácticamente debutaron mientras en las paredes de la cárcel se proyectaban películas en blanco y negro, como una de Tarzán marcha atrás.

Para resumir (aunque queden cosas en el tintero, como los iniciáticos y rompedores tiempos del pub Camel y el grupo Los Yous de Benidorm, las matinales en la discoteca Il Paradiso de la Albufera de Alicante, la explosión de la nueva ola alikantina…), estuve escribiendo una página musical semanal en el Diario Información desde noviembre de 1979 y enero-febrero 1984…. Y luego, harto de todo, harto de mí, me puse a hacer fanzines y relatos cortos, y tiempo después aquí estoy, tras otros huracanes, terremotos y apocalipsis, contestando a esta entrevista de los kids de Hot-Rockin. (HR: Te emplazamos a contarnos todo eso en otra ocasión…)

HR: Inmersos de lleno en la era digital, cuesta creer que hace no mucho tiempo dedicáramos buena parte del mismo en la autoedición fanzinerosa, con horas y horas de maquetación y fotocopias, con esfuerzo e ilusión a partes iguales, y en la mayoría de los casos con un sacrificio económico sólo recompensado con la mera satisfacción personal. Cuéntanos cómo fueron tus inicios, la evolución, lo que te llevas de todo ello, y lo que dejas…

¡Ahí me has dado! Las fotocopias & las grapas, todo un colt 45, podría decir que el monóxido de fotocopiadora salvó mi vida.

En el primer fanzine que edité, a inicios de 1984, colaboraban 7 personas con sus respectivos seudónimos, que realmente eran simplemente yo mismo, así no me sentía tan solo…

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El último, en 2005, que edité, vivió intensamente las rutas subterráneas que la prensa alternativa había logrado crear en nuestro país, contando con cerca de 20 colaboradores de norte a sur y de este oeste, los había que me mandaban por correo hasta láminas-cuadros originales… Entonces, me dije: “buen momento para dejarlo”. Todo el material que tenía reservado para siguientes números, se los fui devolviendo a cada uno de sus autores y pasándoles un listado de fanzines donde sus historias serían muy bien recibidas. (HR: Suele pasar, los fanzines cuanto más grandes más costosos, con el riesgo implícito de que finalmente se queden sin editar…)

Tiempo después, con la llegada de la pantalla de plasma, vi una estupenda ventana para intentar trasladar el espíritu del fanzine a internet, y en ello estoy, aunque lo tengo muy claro, siempre le seré fiel a las fotocopias y a las grapas. 

HR: En lo estrictamente musical, si tuvieras que recomendar a un recién llegado a esto del Rock un puñado de discos para hacerse a la idea, ¿cuáles serían? No te pondremos límite, pero tampoco te pases… bob_dylan_-_blood_on_the_tracks

Una trilogía fúnebre emocional: “Tonight´s The Night” de Neil Young, “Over” de Peter Hammill y “Blood on the tracks” de Bob Dylan.

HR: De tu experiencia personal a nivel de shows en directo, si tuvieras que elegir media docena que te tocaron especialmente la fibra, por el momento, por el estado de forma del grupo, por todo a la vez, serían…

La actuación de la banda local Los Yous en el restaurante del Hotel Punta Canfali de Benidorm. Los neokorquimos The Fixx en la discoteca Cap Negret de Altea. El debut de la banda alicantina Garage en el cine de verano del barrio de San Grabiel en Alicante. Los Rolling Stones en el campo de fútbol del Manzaranes de Madrid (el día de la tormenta). Sleepy La Beef en la discoteca La Torre, entre La Nucía y Polop. Bob Dylan en la plaza de toros de Benidorm. NO/FX en la sala Abraxas de Benidorm. Burning en la plaza de toros de Benidorm.

HR: Si alguien en esta zona levantina puede dar fe de lo acontecido en el Rock prácticamente desde su génesis no es otro que Lou. ¿Cuáles son tus recuerdos más remotos de la escena local? Viajemos un poco en el tiempo: Bandas, locales, garitos, salas… 

Es curioso, no sé si a ti también te sucederá pero todo aquello que me gusta termina por desaparecer, tanto bandas como garitos… así que prefiero no recordar, pues me encabrono por la poca justicia del rock’n’roll, aunque, afortunadamente, también es cierto, a veces sí que la hace. (HR: Totalmente de acuerdo)

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HR: ¿Qué otras aficiones aparte de la música tiene Lou? Cine, literatura… Cuéntanos de tus influencias vitales, queremos saber…

Todo lo que tenga que ver con el rock’n’roll, si bien en una larga época me acompañó especialmente como banda sonora cuando creé la productora “invisible” fanzinerosa “Autogestión y Des-conexión”, de 1984 al 2005.

Cuando la prensa especializada comentaba alguno de los fanzines que iba editando, lo que más me valía la pena –dijeran lo que dijeran- era cuando ponían al final del todo de ese comentario el contacto para poder conseguir algún ejemplar y ponía el nombre de “Benidorm”, quizás por aquellos tiempos –bueno, ahora también sucede, la peña habla por hablar ante la ignorancia alimentada de prejuicios- un sitio impensable desde donde pudiera “salir” algo así…

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Sí, en todos los sitios existe una ciudad sumergida. (HR: No sabes cuánto nos sentimos identificados con esto último algunos de ‘por aquí’) 

HR: ¿Cómo ves la escena musical actual en general? Con el paso de los años es inevitable que cada vez cueste más sorprendernos con algo nuevo, el nivel de exigencia se incrementa y la sensación de deja-vu es casi omnipresente. ¿Algún descubrimiento reciente que merezca la pena reseñar? ¿Y de nuestras bandas locales?

¿La escena musical? Bueno, me voy a referir a la única que semi-conozco, la que que yo llamo KosTra BlanKa SoUnd ExploSsion!: Si tanto los garitos como el público estuvieran a la altura de las bandas que actualmente están sakudiendo, la escena sería escena, una gran escena…

La última vez que sucedió, ese mágico triángulo –garito + banda + público- fue entre 1989 y 1992: Las bandas cobraban un mínimo (50.000 pesetas – ¿ahora quién es el suertudo que puede cobrar 300 euros en un bar?-), el garito no perdía dinero, incluso lo ganaba, y el público acudiendo y llenando los conciertos por costumbre –si le gustaba se quedaba y si no pues se iba, pero todos acudían-  con copas baratas y emociones arriba y abajo del escenario.

Dicen que el rock’n’roll es cosas de pandillas y por desgracia no hay un relevo  generacional de pandillas adolescentes, como sucedió entonces, donde se mezclaban los veinteañeros con los Veteranos del Vietnam, explosionando guapamente todo por lo aires.

¿Algún descubrimiento? La música no deja de crecer con el impulso vía Internet, más todavía, aunque ello te hace que se escapen también muchas cosas posiblemente enriquecedoras.

Y más que comentar el nombre de alguna banda que últimamente me haya sacado de la habitual monotonía musical, estoy más atraído por el próximo material que edite la banda de Villajoyosa Yosephine (HR: Estaremos al tanto…)

HR: Vamos terminando, te dejamos que vuelvas a tu tranquila morada en las colinas de la Skombro Rock City, puedes añadir lo que quieras a la entrevista, dirigirte a los lectores de Hot-Rockin, criticar a la redacción… 

No hay nada mejor que tener la suerte de poder acompañar a una banda sin apenas todavía “saber” tocar en su local de ensayo, y acompañarles hasta su primera actuación en directo… lo demás ya no sé, y poco me importa, la verdad.

Gracias a Hot-Rockin por acordarse de mí, espero haber sido, al menos, ameno y no muy pesao, y que la música, afortundamente, es más grande que todos nosotros juntos, así que no dejemos de seguirla.

Una copaaaaaaaaaa máaaaaaaaaaaaaaaaaaas!!!!!

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Gracias a ti por tu tiempo y por contarnos tus valiosas vivencias. Un abrazo, gran Lou. Larga vida al R’N’R. 

Entrevista: Bubbath

A continuación, y a modo de anexo, os dejamos la bio con la obra y milagros de nuestro querido Joan. Pasen y lean…

¿57 AÑOS PARA ESTO…?

Nacido en Valencia el 20 de noviembre de 1958 y viviendo desde hace 54 años en Benidorm, comienza a escribir, jugando a escribir de música, a mitad de los años 70 –tras “rechazar” por cobardía el ser posible bajista del grupo “Akra Leuka”–, viendo publicadas un par de crónicas en el periódico musical “Disco Express” (1977-1978) y un amago de poesía automática en la revista “Sal Común” (1978).

Anteriormente, ya había descubierto la fascinación del “papel en blanco”, manchándolo con esbozos de poesía puramente teenager (período 1974/1975) y un esbozo de relato corto, asimismo adolescente, titulado “La historia que nunca tuvo que haber empezado porque nunca tuvo que haber terminado” (1976).

Durante el transcurso de su tercer año universitario de Derecho en Alicante (1978/1979), escribe su primer relato corto propiamente dicho: “La próxima vez iremos a fumar al puerto”.

Involucrado, como miembro del Equipo Telaraña, en la organización del Festival Beni-Rock que tuvo lugar en el verano del 78 en la plaza de toros de Benidorm con las actuaciones de Granada, Guadalquivir, Gualberto, Bloque y Triana.

Firma una página musical semanal en el diario “Información” de Alicante, de diciembre de 1979 a febrero de 1984, así como en el semanario “Canfali” de Benidorm durante el período de dic’82 a junio’84; en este periódico comarcal vuelve a escribir durante el verano de 1992. Un tanto de lo mismo lo realiza en el diario “Hoy” de Elche, de febrero a junio del 93.

Rechaza, en 1981, ser miembro del Jurado del Festival de la Canción de Benidorm.

Autor del texto del programa de mano del Concierto Extraordinario Dedicado a la Juventud que realizó la Unión Musical de Benidorm, y que tuvo lugar en el Cine Capitol, de esa población, el 13 de junio de 1982.

Escribe un par de letras de canciones para los grupos alicantinos China (“Toma Ruedas”, 1982) y Mediterráneo (“Estoy harto de que me beses”, 1984).

Intermediario “accidental” en el reportaje que sobre la escena musical alicantina emitió en el 83 el programa de TV “La Edad de Oro”.

Colaborador esporádico y eventual de los programas musicales alternativos ya fenecidos de Radio Benidorm, como “Prisma Mágico” de Jorge Albi (febrero/marzo/abril’84) y “Prohibido Bailar” de Pau “Camel” Rosique (del 85 al 88), con la emisión del espacio “Callejón Sin Salida”.

Único culpable de la puesta en marcha, en 1985, de la productora “invisible” Autogestión y Des-Conexión (A.Y.D.), “una iniciativa individual, creativa y financiada, aunque parezca mentira, desde Benidorm”.

Autor del guión del cortometraje, aún inédito, “Hazme lo que quieras pero nunca me despeines mi tupé” (mayo’86).

Colaboraciones con la empresa promotora de conciertos “E.M.T.” de Benidorm, entre ellas, en la promoción del concierto que dio Johnny Thunders el 14 de noviembre del 86 en la sala “Il Paradiso” de Alicante, con una octavilla titulada: “Yo de ti no iría a ver al Johnny Thunders…”.

Responsable directo de los programas radiofónicos “La Traición del Espejo” y “El Palacio de las Cucarachas” en Onda Litoral de Benissa (sept’90 a sept’91).

Desde enero de 1998 escribe una página musical (“Mondo Bellaco”) en la revista mensual de información turística “Top Turisme”, de la que, a su vez, es el subdirector; de ahí que le “permitan” publicarla…

Colaborador en el I Encuentro Punk Rock Alikantino, protagonizado por bandas legendarias de principios de los años 80, que tuvo lugar en la noche del 19 de abril de 2008 en la sala Abraxas de Benidorm, con las actuaciones de Aspirantes A La Horka, Tango Lüger, Café Grecó y Electro-L, así como la participación estelar de María García Verdú, cantante de Morticia y Los Dekrépitos.

En vísperas del verano de 2008, Carlos Sempere, de Radio Alicante, se acuerda de él y le realiza una entrevista recordando los tiempos de su página en el “Información” y, entre otras cosas, sobre la situación musical en la actualidad, a nivel general y, muy en concreto, en relación a la provincia alicantina.

La noche del 29 de marzo del 2015 se le reconoce su humilde pero constante apoyo de toda la vida a las bandas alicantinas a través de un fetival homenaje que bajo el nombre de LAMF Music Day. se celebra en el Anfiteatro Oscar Esplá del parque de L’Aigüera de Benidorm con las actuaciones de LOP. La Oscura Posibilidad , Blue Vandals, Los Yous, CONTRAGOLPE, MEDITERRANEO MUSICGROUP, Aspirantes a la Horka, SEKÍA, Sophie’s Choice, Muy Frágil y LÜGER GRECÓ.

Posiblemente la noche más feliz de su vida…

*** Incitador y animador de los fanzines: 

– AWOL-Alicante Way Of Life (mayo’84) n° 0.

– Prohibido Bailar (mayo’84 a mayo’85) 9 fascículos (inédito, aún sin publicar)

– Alianza Africana (sept’84) n° 0.

– Va Por Ustedes (febrero’85) n° “Mi Mejor Amigo Soy Yo”.

* L.A.M.F. (invierno’85 a verano’91) n° 0-1-2-3-4-5.

– Aléjate Más! (abril’90) n° 0.

* El Ritmo De Tus Pies (nov’91 a agosto’92) n° 1-2-3-4-5.

* Entre Maniakos (mayo’92) n° 0.

* El Club De Los Poetas Enkulados (dic’92 a marzo’94) n° 1-2-3-4-5.

* The Last Full Experience (junio’93) nº “Willy Burret & The Plis Plays”

* BROOM-skombro freak machine (sep/oct’93) n° 1-2.

* The Glitter Box (ene/feb’94) nº 1-2.

* Fuck Off’no-zine (abril/sept’94) nº -5, -4, -3.

* Hip Hop Skombro (dic’04) Boletín Informativo nº 1

* Furor Uterino (dic’04) nº 1

* Lotta Love Skombro (enero/feb’05) Boletín Informativo nº 2

* MonoTemátiKos Del NoFuture (feb’05) nº The Yabba Dabba Doos.

* Cóktel De Pus (marzo/abril’05) Boletín Informativo nº 3

* El Klub De Los Poetas Degollados (mayo’05) nº 1 

– derechos adquiridos por Autogestión y Des-Conexión

* producciones de Autogestión y Des-Conexión 

Una gran parte de estos fanzines están reseñados en el libro “De espaldas al Kiosco” de Kike Babas & Kike Turrón, publicado en 1995 por la editorial El Europeo & El Canto de la Tripulación, dentro de su colección “Los Libros Del Cuervo”. 

Colaboraciones, en su momento, con los zines: 

“Difusiones Clandestinas” de Valladolid, “La Sangrienta” de Altea,

“Hey Hey”, “Cáncer y Delirio” y “El Frígido Anarquista”, los tres de Benidorm, “Toca Madera” de Villajoyosa, y “Vacío” de Barcelona. 

*** Colección Sperma:

(Autogestión y Des-Conexión) 

ref.- 00: “La patética historia de Fredy”, relato corto de Antonio Alvarez, sept’86, inédito, aún por publicar. 

Ref.- 01: “Los Piratas de la noche tampoco bailan rock and roll”, relato corto de Antonio Alvarez con dibujos de Kebra, publicado en marzo’87. 

Ref.- 02: “Aquel maldito verano del 84”, recopilatorio de relatos cortos de Antonio Alvarez, publicado en enero’94. 

Colgado en formato “internet” tanto el Prólogo como el titulado “En El Fondo Del Bar”, título que sirvió asimismo, años después, como encabezamiento a uno de los Diarios Privados que se mencionan líneas más abajo. 

Ref.- 03: “Terrestre (un relato y varios poemas)” de Elena Gonzalvo Plano aka Calamity Jane, publicado en junio’94. 

Ref.- 04: “Entredichos”, relato corto de Van Aigor III, publicado en sept’94. 

Ref.- 05: “La Balada de Christine De Ville”, comic realizado por Rafa “Hey Hey” Amorós basado en un relato corto de mismo título y ya publicado en el recopilatorio “Aquel Maldito Verano del 84” de Lou “Lamf” aka Antonio Alvarez, oct’92, inédito, aún por publicar. 

*** Otros textos: 

Nadie puede ser lo que necesitas

La Última Pandilla Psycho Killer

Sobre Henry Miller: El Palacio de las Cucarachas

Aprende a odiar la música

En el Barrio de Mis Pesadillas

The Sound: tienes que creer en una tierra con corazón

Estoy hasta los cojones del blues

¿Qué ganas tú con esto?

Aquella noche en el Pixie & Dixie

Despertadme cuando lleguemos a Grecia

Días de Bourbon y Rosas (revisited)

A Sacra

Honestamente te lo digo

Raw Power & Ragged Glory

Historias que suceden en cualquier ciudad

Aquel póstumo single de Morticia y Los Dekrépitos

Cuando realmente todo comenzó… 

*** Diarios Privados:

(The Black’Diarys of Lou Smith) 

Gente Abollada (2003)

Al Oeste Del Edén (2004)

En El Fondo Del Bar (2005)

La Retirada (2006)

Llegando Hasta El Final (2007) 

*** El Valle De Las Muñecas Hinchables

(Internet: myspace, fotolog, blogs, youtube, Facebook) 

myspace…

fuck’zine

lord freak sánchez

neil young fanclub benidorm

no future now!

abraxas rock club 

fotolog…

el arte de callar: espacio utilizado para “colgar” en internet diversos textos, la gran mayoría publicados en su momento en alguno de los fanzines –fotocopias y grapas- de Autogestion y Des-Conexión, o bien el comentario personal de “backstage” de algunos hechos “históricos”, sobre todo, en sus primeras actualizaciones, así como algunos de los relatos cortos mencionados anteriormente.

Blogs…

agonizando en público

la leyenda de la ciudad sumergida 

youtube…

mundo infernal 

facebook…

lou smith 

*** Algunos seudónimos: … Lou, Fredy, Yazz, E.S.N. (El Sin Nombre),

Makais, Ele.U, Rudy, Frankie Motherfucker, Antonio Alvarez,

Buskapenas, Lord Freak Sánchez… 

Canciones explícitamente dedicadas …:

De Garage (1982)

De Aspirantes A La Horka (1989)

“57 años para esto…oh, yeah!!!”

Fdo.- Juan Antonio Portolés Alvarez

Autogestión y Des-Conexión

P.O. Box 205

03508 Benidorm

(Alicante)

– Spagnia – 

*** epílogo:

ha sido estupendo poder compartir todo esto contigo… espero que ninguna de mis palabras o actitudes te hayan ofendido pues nunca ha sido ese mi propósito.

“vayas donde vayas que te vaya bien”

(Corazón Salvaje)

Hasta siempre, rock and roll…

Nota.- si estás interesado en visualizar algún texto, ponte en contacto conmigo y, si me es posible, te lo haré llegar:

taula@topturisme.com